Durante los últimos meses le he hecho las mismas tres preguntas a 15 artistas israelíes y me ha fascinado la variedad de respuestas.
Mientras algunos artistas buscan la originalidad, otros demuestran que esa no es la esencia de la creación y su motivación para trabajar. Algunos todavía se refieren conscientemente a artistas del pasado, citando sus métodos de trabajo, pero dando a la obra un toque personal.
Durante miles de años en la historia del arte, la originalidad no siempre fue el componente clave del éxito. Sin embargo, todos conocemos cuadros de Rembrandt o Monet y no de los artistas que siguieron sus estilos.
En esta columna, en mi selección subjetiva intento elegir a estos artistas cuyas obras se destacan y permanecen con el espectador, cuyo arte, una vez visto, no puede pasar desapercibido.
Tres artistas aceptaron responder a mis tres preguntas:
1. ¿Qué te inspira?
2. ¿A qué llamas arte?
3. ¿Qué, en su opinión, hace que su obra sea diferente a la de otros artistas?
Yossi marca
Yossi Mark estudió filosofía y ciencias sociales en la Universidad de Tel Aviv y pintura en el Instituto Avni. Nacido en 1954, vive y trabaja en Petah Tikva. Ha mostrado su trabajo en numerosas exposiciones individuales y colectivas y es el fundador, profesor y director del Instituto de Artes Visuales del Museo de Arte de Petah Tikva.
En 2010 recibió el Premio del Ministerio de Cultura y Deportes en Artes Visuales; en 2017, el Premio del Ministerio de Cultura y Deporte en Artes Visuales; y el 24 de junio en el Museo de Arte de Tel Aviv, el Premio Shiff de Arte Figurativo-Realista 2024. Elegido entre más de 160 artistas, el premio incluye una subvención de 10.000 dólares y una exposición individual en el Museo de Arte de Tel Aviv prevista para 2025.
En su mención del logro del artista se puede leer: “… el veterano y querido artista israelí. Sus obras ofrecen una experiencia fascinante, combinando una mirada cautivadora de control total con una mirada introspectiva de lápiz, acrílico y óleo poco comunes”.
Hablando con el RevistaMark explica que está muy apegado a la técnica de los antiguos maestros venecianos, con una única diferencia: “En la segunda fase de la pintura, ellos usaban témpera y yo uso acrílico. Pero, como ellos, empiezo con el dibujo a lápiz. Más tarde, se va mostrando a través de las capas de acrílico y óleo”. Su objetivo es lograr un efecto relativamente transparente. Mark mantiene sus obras monocromáticas.
Es conocido por su enfoque profundamente humanista y su gran precisión. Cada cuadro requiere meses de trabajo. Dibuja figuras vivas, a partir de la observación. Mark examina su modelo con cuidado microscópico. Mide, literalmente, cada milímetro de la figura, dejando las marcas de medición visibles en el cuadro terminado.
Mark también es tradicional en su estilo de vida; No tiene sitio web ni Instagram. “Intento evitar las conexiones digitales tanto como puedo. Prefiero las personales”, me explicó. “No tengo teléfono móvil. Ahora uso el de mi esposa desde que recibí el premio y la gente llama”.
INSPIRACIÓN: “Me atraen los momentos íntimos, no escenificados. Estos episodios silenciosos de contemplación están imbuidos de un espacio tranquilo y sereno, que exige introspección. Son los destellos fugaces de una existencia sencilla y desnuda.
“Del mismo modo, encuentro inspiración en las obras de los grandes maestros, tanto del pasado como del presente: Giovanni Bellini, Andrea Mantegna, Caravaggio, George de La Tour, Edward Hopper, Andrew Wyeth y otros.
“Captan experiencias visuales vibrantes que cultivan un sentido de intimidad, entrelazado con una contemplación poética y espiritual del ser, la esencia y la condición humana.
“Todos estos elementos –lo íntimo, lo introspectivo, los ecos de los maestros– encienden mi atención visual, impulsándome a un estado de concentración enfocada. Son los catalizadores que encienden mi proceso creativo”.
SIGNIFICADO DEL ARTE: “El arte, para mí, es una entidad viva que se esfuerza por crear espejos profundos. Invita a los espectadores a un viaje profundo que involucra sus sentidos, emociones e intelecto, manteniendo al mismo tiempo un equilibrio armonioso entre forma y contenido. El arte sirve como puente entre las formas en que conocemos las cosas (epistemología), la naturaleza de la realidad (ontología) y la experiencia vivida (fenomenología). Es la odisea continua de un artista, una confrontación con la realidad que busca capturarla y luego reformularla como su propia verdad.
“El arte visual prospera cuando la vista trasciende a la comprensión y, en el mejor de los casos, la obra de arte posee un poder transformador y evocador que altera la conciencia del espectador.
“Sólo entonces se convierte en un recipiente digno para la contemplación”.
EL ARTE DE MARK: “Si bien mi trabajo está claramente arraigado en el realismo, observando y reflejando la realidad, evita deliberadamente una imitación puramente ilusionista de la superficie. Esto contrasta con el enfoque más frecuente de muchos pintores realistas. Traduzco la realidad empírica, en su sentido visual más directo, en una disposición formal de líneas, tonos y formas. Enfatizo los aspectos morfológicos y tectónicos del tema, empleando un uso restringido del color. Mi proceso es deliberado y prolongado, dejando huellas del andamiaje que sustenta toda la imagen. Estas marcas están presentes como una infraestructura visible dentro de la pintura final. Este enfoque tiene como objetivo condensar y destilar la imagen.
“Otro elemento distintivo de mi obra es el diálogo entre la narrativa y el lenguaje. Las figuras de mis pinturas exudan una sensación de compasión, calidez y empatía a través de sus expresiones, mirada, lenguaje corporal y postura. Esto refleja la mentalidad existencial que sustenta mi obra”.
Dado que el artista no tiene sitio, consulte: chelouchegallery.com/artists/yossi-mark/
Gili Avissar
Gili Avissar es un artista multidisciplinario nacido en Haifa en 1980. Se licenció y obtuvo un máster en Bellas Artes en la Academia de Arte y Diseño Bezalel de Jerusalén. Ha creado instalaciones textiles, esculturas, performances y vídeos a gran escala.
Después de más de 20 años de vivir y trabajar en Tel Aviv, hace dos años decidió regresar a su ciudad natal, donde recientemente inauguró una exposición individual titulada “Pardes” en el Museo Hecht, en la Universidad de Haifa. Utilizó el espacio (750 m2) del suelo arqueológico como su estudio, preparando la muestra durante más de dos meses. A Avissar le gusta incorporar un espacio de exposición en su arte.
Sus obras son intensas y coloridas, muy vivas. El artista recoge restos de tela, papel, madera, cartón y materiales plásticos “que están disponibles en todas partes”. Al darles forma, crea nuevos objetos.
Al observar sus instalaciones, parecen un diálogo entre la creación de objetos y la performance. A Avissar le gusta colaborar con artistas de diferentes disciplinas, incluidos bailarines. Además, incluye elementos de moda, que le recuerdan su educación anterior (cuando era adolescente, estudió moda en una escuela secundaria con un perfil artístico en Haifa). Si bien no siguió una carrera como diseñador de moda, esto dejó una marca en su arte. Utiliza textiles y su propio cuerpo, a menudo vistiéndose como parte de sus instalaciones y performances.
En declaraciones a la revista, también admitió que le gusta ver eventos de alfombra roja y desfiles de moda, pero, como dijo: “En el arte encontré mi libertad”.
Avissar recibió el Premio del Ministerio de Cultura y Deporte para Jóvenes Artistas (2012); Premio de la Fundación de Arte Rabinovich (2012, 2010) y más. Su arte se ha expuesto en muchos museos y galerías de Israel, Alemania, Chequia (República Checa) y Estados Unidos.
INSPIRACIÓN: “La inspiración está en todas partes, o mejor dicho, utilizo la palabra ‘motivación’. ¿Qué te permite actuar y crear? La tensa situación en Israel me hace actuar, las relaciones entre las personas me hacen actuar. La palabra ‘inspiración’ suena como que sólo las cosas bellas y las personas pueden hacerte hacer arte, pero lo opuesto también es cierto. Tal vez al crear a partir de la fealdad, la hagas más bonita”.
SIGNIFICADO DEL ARTE: “Normalmente llamo arte (cosas) que están muy fuera del museo y la galería, ya que el arte existe para mí fuera. Ya sea la naturaleza o las personas, disfruto contemplando todo lo que el mundo tiene para ofrecer. A menudo veo verdadero arte en la naturaleza y me pregunto cómo se hicieron esas cosas, quién las creó y quién es el artista”.
EL ARTE DE AVISSAR: “Me resulta difícil diferenciarme a mí mismo o a mi arte de los demás. Como artista, trabajas en un entorno muy solitario día tras día, pero al mismo tiempo formas parte de una comunidad de artistas. Te identificas con lo que ves a tu alrededor. Puedes sentirte único, pero también formas parte de algo más grande. Me siento diferente, pero muy parecido, y hay una verdadera tensión allí”.
www.instagram.com/giliavissar/
Tal Shoshan
Tal Shoshan, escultora, artista de performance y dibujante, nació en Haifa en 1969. Después de su servicio militar, se mudó a Jerusalén, Londres, Tel Aviv y Ramat Gan, y luego se instaló hace 12 años en Givatayim.
Shoshan tiene una licenciatura de la Academia Bezalel de Arte y Diseño en el Departamento de Joyería y Accesorios de Vestimenta y una maestría del Wimbledon College of Art de Londres. De 2007 a 2014, Shoshan dirigió el campo de ropa y accesorios en el Departamento de Diseño del Seminario Kibbutzim. Ha ganado la beca Mifal HaPais (2017) y el premio Handler (2014), y ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en Israel y en el extranjero.
Como escultora, trabaja con diversos textiles y en el contenido de su arte hace referencia a la literatura y la naturaleza. Utiliza materiales suaves para mostrar a los espectadores mensajes a menudo difíciles. En su exposición actual, “Over Night”, en el Galería Chelouche, usó trozos de toallas de baño para construir esculturas. Ella expuso cómo todo es temporal. Una sola tienda de campaña. Los restos de una hoguera. Un saco de dormir. Una vaina grande. Los objetos son marcas efímeras y desintegradas de lo que alguna vez fue una historia sólida.
“Creo paisajes que oscilan entre lo personal y lo universal, desde los compromisos privados hasta los entornos violentos e inquietantes que encontramos en nuestra vida diaria”, dijo a la revista Revista.
INSPIRACIÓN: “Encuentro inspiración en todo lo que me rodea: una frase que se repite en mi cabeza y no me deja, una hoja que cae al suelo, la camisa olvidada de mi hijo en el armario, la acción creativa de alguien a quien aprecio, mapas de todo tipo y materiales diversos. Las fuentes de inspiración más poderosas son los temas que me provocan inquietud y conflicto; a nivel personal, político o social, me seguirán al estudio y me obligarán a reaccionar. Las fuentes de inspiración más persistentes y constantes están relacionadas con mis encuentros con la naturaleza y el cuerpo humano, que se convirtieron en parte inseparable de mi lenguaje artístico”.
SIGNIFICADO DEL ARTE: “Una buena obra de arte no se basa en palabras ni texto. Debería despertar tus sentidos y activarte, dialogar contigo. Las palabras vendrán más tarde.
“Para mí, el arte es la oportunidad de conocer el lado inusual y sobresaliente de la creación y la creatividad humana, aquel que mueve en mí un latido, un pensamiento, una emoción o un deseo de tacto. Uno que seguirá sonando en mi cabeza y algo de él quedará, aunque sea una pequeña parte. La partícula casi invisible seguirá caminando conmigo”.
EL ARTE DE SHOSHAN: “Durante la última década, he descubierto que lo que más me fascina es la búsqueda de un lenguaje material para expresar de la mejor manera una idea que estoy desarrollando. Mi proceso de trabajo es largo y variado, pero el principio suele ser similar: la búsqueda apasionada del lenguaje visual más apropiado. Este lento proceso me permite descifrar a fondo lo que puede servir como ancla visual.
“Descifrar el lenguaje material incluye un largo y laborioso proceso de investigación que implica combinar nuevos materiales, probarlos y manipularlos, y buscar conexiones y acciones que puedan afectarlos o cambiarlos, como la descomposición, la humectación, la costura, el calentamiento.
“El material no es menos importante que el tratamiento de las formas y las ideas: puede convertirse en el corazón de la idea”.
www.talshoshan.com/
