La temporada de arte de otoño estará dominada —o tal vez abrumada— por “PST Art: Art & Science Collide”, una extensa serie de más de 70 exhibiciones en museos y espacios de exhibición de la zona, grandes y pequeños, todos subsidiados por más de $20 millones en subvenciones de la Fundación Getty.
Temas del proyecto, según la información contenida Sitio web de PST Art Los temas esenciales para navegar por la extravagancia abarcarán desde “el cambio climático y la justicia ambiental hasta el futuro de la inteligencia artificial y la medicina alternativa”. Junto a los focos institucionales, más de tres docenas de galerías de arte comerciales están planeando exposiciones de otoño relacionadas con temas científicos. También están en la agenda innumerables conferencias, mesas redondas, películas y otros programas de apoyo. En general, el programa se extenderá a los condados de San Diego, Riverside y Santa Bárbara.
El Getty determinó el tema más amplio, que está concebido de manera general para abarcar las ciencias duras y blandas, incluidas las convulsiones tecnológicas como la revolución digital en curso; pero cada organización de arte participante es el curador independiente de su propia exhibición. Se espera física cuántica y pintura al óleo, inteligencia artificial y videoarte, cambio climático y escultura.
Además, es de esperar que haya cierta confusión. Las exposiciones temáticas son unas de las más difíciles de ejecutar con éxito para los curadores. Simplificar las misteriosas complejidades del arte para aislar los elementos científicos básicos de una obra corre el riesgo de ser reduccionista.
¿Cómo? La ciencia es una investigación que busca encontrar respuestas a innumerables misterios del mundo físico y natural. El arte, en cambio, es una investigación que busca abrir los misterios de la experiencia humana. Los artistas encuentran preguntas relevantes para los parámetros sociales de la vida, en constante cambio, con el objetivo de encantar incluso en áreas de dolor o angustia. La verdad llega en múltiples formas, así que espero que la extraña “colisión” que se está explorando entre el arte y la ciencia no produzca ninguna víctima. Pero nunca se sabe.
Algo del peligro vulnera “Sangre de Nopal”, que Abierto a finales de julio al Museo Fowler de la UCLA. (Una muestra complementaria se inaugura el 6 de octubre en el Museo de Arte Contemporáneo de Santa Bárbara, coorganizador de la presentación “Nopal”). Es una de las primeras en ingresar a PST Art, que se lanza formalmente el 15 de septiembre con una ¡estallido! — un espectáculo explosivo de fuegos artificiales a cargo de Cai Guo-Qiang con drones en el Coliseo de Los Ángeles. Cai es fuerte y fogoso.Círculo misterioso: evento explosivo”, que incluyó una explosión de dos minutos de 40.000 mini cohetes, se realizó de manera memorable en el Museo de Arte Contemporáneo en 2012, por lo que el evento más grande del Coliseo podría ser aún más espectacular.
Cai Guo-Qiang inaugura la exposición PST Art con un espectáculo de fuegos artificiales el 15 de septiembre en el Coliseo. La exposición “Mystery Circle” de Cai de 2012 se expuso en el MOCA.
(Joshua White/MOCA)
La atractiva exposición de Fowler presenta fibras y otras obras de arte de Dos talentosos artistas indígenasTanya Aguiñiga y Porfirio Gutiérrez. Ambos trabajan ahora en el área de Los Ángeles.
Aguiñiga es binacional, nació en San Diego y se crió en Tijuana, y sus esculturas, instalaciones y proyectos comunitarios involucran procesos y formas artesanales tradicionales mesoamericanas convertidas en contemporáneas. Por ejemplo, “We are a continuous fabric” (Somos una tela continua), una obra de arte para pared ensamblada con cuerdas anudadas, es una figura angelical y fantasmal incrustada con piedras y otros desechos recolectados del río Los Ángeles: una memoria espiritual embrujada hecha manifiesta.
Cerca de allí, unos rectángulos irregulares de color rojo oxidado, estampados a partir de un marco no identificado, se colocan uno al lado del otro sobre un rollo de papel blanco que se extiende a lo largo de un pedestal bajo y horizontal antes de doblarse para trepar por una pared. Titulada “Border Wall Ladder”, es un eco de la obra de Robert Rauschenberg de 1953 “Impresión de neumáticos de automóviles”, una colaboración con el compositor John Cage, quien condujo su Ford Modelo A en línea recta sobre un charco de pintura y sobre 20 hojas de papel. La llanta del auto dejó una línea de pisada negra que registraba el movimiento urbano mecanizado, mientras que la huella lineal de Aguiñiga, similar a una escalera, traza un continuo y antiguo paso humano que no puede ser detenido por límites políticos trazados artificialmente.
Gutiérrez se crió en Teotitlán del Valle, un pequeño pueblo a 32 kilómetros al este de Oaxaca, México, y ahora trabaja en Ventura. Durante años ha estado recuperando el uso de tintes textiles naturales en lugar de sintéticos, incluido el carmín. Ese rojo vibrante, un tono apreciado en la cultura zapoteca durante 2000 años, se deriva de la cochinilla, un pequeño insecto que prospera en el nopal. La conquista de México por parte de España en el siglo XVI creó una enorme y rentable industria textil. Mercado europeo por el rico pigmento, hasta entonces desconocido en ese continente. Sin él, no conoceríamos las fascinantes pinturas de El Greco o RubensCaravaggio o Van Gogh, tal y como lo hacemos hoy.
Porfirio Gutiérrez, “Sin título: serie Transmigración”, 2022, técnica mixta, izquierda; Tanya Aguiñiga, “Cosas que sangran”, 2020, técnica mixta.
(Elon Schoenholz / Museo Fowler)
Gutiérrez fusiona las tradiciones del antiguo conocimiento indígena con la innovación moderna. En un tapiz visualmente suntuoso de su “Serie Transmigración”, oleadas ondulantes de color que se deslizan entre el burdeos y el rojo rubí forman el fondo de una cascada de pequeñas formas de moños carmesí que caen por el campo como semillas esparcidas por el viento. El patrón geométrico del ingenioso diseño resuena en los tapices pioneros de la Bauhaus de Anni Albers, así como en los de los antepasados oaxaqueños de Gutiérrez, para una obra que viaja a través del tiempo y el espacio.
La ciencia que opera dentro del tinte de cochinilla y otros pigmentos ambientalmente sostenibles es parte integral del trabajo de Aguiñiga y Gutiérrez. Sin embargo, ese es solo un elemento dentro de prácticas artísticas multifacéticas que se basan tanto en la historia social, la poesía visual y el diálogo artístico como en la ecología. Es posible que al terminar la agradable “Sangre de Nopal/Blood of the Nopal” te quedes rascándote la cabeza ante la suposición de la primacía de una “colisión entre el arte y la ciencia”, pero simplemente no es así.
Los artistas, por supuesto, han estado tan fascinados por la ciencia como el resto de nosotros, casi desde siempre. A principios del siglo XX, el iconoclasta francés Marcel Duchamp describió un nuevo “espíritu científico” para el arte de vanguardia, destacando las metódicas investigaciones pictóricas de sus predecesores Georges Seurat y Paul Cézanne. En nuestra época, la tumultuosa convulsión de la Segunda Guerra Mundial fue un catalizador para la curiosidad científica de los artistas en las décadas posteriores, nacida de todo, desde las tecnologías avanzadas del radar militar hasta el poder destructivo de la bomba atómica.
El arte de posguerra en la floreciente ciudad de Los Ángeles, otrora capital mundial de la industria aeroespacial, se vio profundamente afectado entre los años 1950 y 1970 por la ciencia y la tecnología. ¿Por qué ahora? ¿Por qué la supuesta colisión entre arte y ciencia está hoy en el radar cultural del Getty? Parecen probables dos respuestas.
Joan Weinstein, a la izquierda, directora de la Fundación Getty, y Katherine Fleming, presidenta y directora ejecutiva del Getty Trust, cuyas subvenciones de la Fundación Getty han hecho posible el PST.
(Myung J. Chun / Los Angeles Times)
Una de ellas es la popularidad. Las dos primeras ediciones del Getty en horario estándar del Pacífico se centraron en el estudio poco desarrollado de la historia del arte en Los Ángeles, un campo especializado sin un público masivo, pero que es clave para el público del arte. (Un tercer proyecto del Getty, mucho más pequeño, consideró la historia de la arquitectura modernista de Los Ángeles). En 2012, “PST: Art in LA 1945–1980” examinó los cimientos de una escena artística que pronto estallaría en la potencia internacional que conocemos hoy. Seis años después, “PST: LA/LA” dio a conocer una nueva investigación sobre el arte latinoamericano y latino de la región, justo cuando la segunda ciudad más grande del país estaba al borde de un cambio demográfico definitivo.
“Art & Science Collide” es la primera exposición de arte en línea que deja de lado la historia del arte (en concreto, la de Los Ángeles) a favor de un enfoque temático más amplio. En lugar de centrarse en los artistas que trabajan en un tiempo y lugar específicos, se centra la atención en un tema abstracto aplicable a cualquier artista, en cualquier lugar y en cualquier momento. La asistencia a los museos tras la pandemia ha sido lenta en todas partes, y la menor prensa cultural de los últimos años reduce la promoción de las exposiciones. Se ha producido un cambio definitivo en el programa, pero tendremos que esperar para ver si el cambio temático tiene éxito.
El tema de la ciencia fue elegido justo antes de que comenzara la pandemia (se necesitan años para organizar un festival tan grande). Durante la década anterior a la letal disrupción de COVID, el Centro Nacional de Estadísticas de Educación registró una caída precipitada de casi el 30% en los estudiantes que se especializaban en artes liberales y humanidades. La disminución de la educación en artes liberales y el auge de las carreras interdisciplinarias STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas) son temas de acalorado debate académico. La colisión del arte y la ciencia fusiona estos lados opuestos, al tiempo que proporciona una sutil sensación de conflicto del que dependen todos los entretenimientos populares.
Aunque el PST no tenía un brazo central de planificación, vale la pena señalar que en el programa multisede se perdieron oportunidades extraordinarias. Tomemos como ejemplo el Institute for Figuring, un notable proyecto de 21 años de antigüedad con sede en Los Ángeles y dirigido por las hermanas Margaret Wertheim, escritora científica, y Christine Wertheim, poeta, que están “dedicadas a las dimensiones poéticas y estéticas de la ciencia, las matemáticas y la ingeniería”. La deslumbrante pieza central es el “Crochet Coral Reef”, una escultura en constante expansión inspirada en la destrucción de la Gran Barrera de Coral de Australia. (Las hermanas nacieron en Brisbane).
Margaret y Christine Wertheim, “Baden Baden Satellite Reef”, 2021, técnica mixta.
(Nikolay Kazakov / Museo Frieder Burda)
El proyecto es una iniciativa de arte comunitario global, producida principalmente por miles de mujeres que tejen formas coloridas y de una belleza impresionante que parecen arrecifes según los principios de la geometría hiperbólica. “Tejer a crochet es un proceso algorítmico que se puede utilizar para construir formas complejas muy fácilmente”, explicó Margaret Wertheim una vez a The Times. “Es como usar píxeles, pero en 3D”.
A lo largo de los años se han exhibido fragmentos del asombroso arrecife en lugares locales, incluso en la galería Track 16 y el ArtCenter College of Design en Pasadena, donde una muestra modesta será parte de una muestra grupal del PST, “Ver lo invisible: datos, diseño, arte”. (El año pasado, el Museo Fisher de la USC presentó una exhibición comercialmente vinculada de un artista indonesio poco conocido que ha estado produciendo una versión sucedánea del proyecto IFF). Pero tendría que viajar, más recientemente a Austria, para crear una versión sucedánea del proyecto IFF. Museo del castillo de Linz o el Museo Gustav-Lübcke en Hamm, Alemania, para obtener una visión general sustancial de la enorme y excepcional obra de arte. Es difícil imaginar un momento más ideal para organizar una importante muestra en un museo de Los Ángeles para darle al arrecife el reconocimiento público y académico que merece, pero para el PST no sucedió.
La otra razón probable para el cambio de dirección del PST es la creciente amenaza existencial del cambio climático. Cuando se inaugure el festival, la Tierra habrá experimentado más de un año de calor sostenido y récord. La crisis cada vez más profunda merece todo el énfasis que el Getty está en condiciones de darle.
El arte del PST Programa de Impacto Climático Se lanzó para ayudar a las instituciones participantes a abordar cuestiones de sostenibilidad para sus exposiciones, incluidos los envíos, los viajes y los materiales. El año que viene, el Getty organizará una importante conferencia en Los Ángeles sobre responsabilidad ambiental para museos y galerías, basada en parte en informes extraídos de proyectos del PST. El crecimiento práctico de la sostenibilidad institucional puede resultar el efecto más bienvenido y duradero, una vez que el arte colisione con la ciencia este otoño.
