Olafur Eliasson emociona con su exposición PST Art en el MOCA Geffen

En el arte de Olafur Eliasson no hay secretos. Hay misterios —muchísimos, que suman enigma a inescrutabilidad—, pero no hay secretos. El artista te muestra con mucho gusto cómo crea los misterios de su arte, lo que te permite sumergirte cómodamente en su belleza deslumbrante, a menudo espectacular, sin temor a ser engañado. El humo y los espejos proliferan, pero eres bienvenido como un participante pleno en el juego seductor. Tienes espacio para ver y pensar.

“Olafur Eliasson: OPEN” debutó el domingo en Little Tokyo, donde ocupa el espacio principal del almacén de Geffen Contemporary en el MOCA. Es una de las más de 70 exposiciones que se realizan en el sur de California en la muestra patrocinada por la Fundación Getty. “PST Art: el arte y la ciencia chocan” Está previsto que la exposición se exponga durante un período excepcionalmente largo (casi 10 meses) y que cierre el 6 de julio. Nueve pinturas recientes y 18 instalaciones de luz, 11 de las cuales se realizaron para la exposición, componen un estudio visual, conceptual y perceptualmente emocionante de la obra de los últimos 20 años del artista danés islandés afincado en Berlín.

El fascinante “ensamblaje Pluriverse” es emblemático. Una tela se extiende a lo largo de casi todo el ancho de una gran galería oscura y se extiende casi desde el piso hasta el techo alto. Una serie de formas abstractas que se desplazan lentamente se despliegan, deslizándose casi como una animación de una pintura surrealista de Arshile Gorki o Roberto Matta.

El oro, el blanco y una infinita variedad de tonos de gris emergen de la oscuridad más absoluta. De vez en cuando, se ven interrumpidos por destellos de colores de tonos joya: rubí, esmeralda, zafiro, amatista.

Superpuestas en una atmósfera de luz oscura, la mayoría de las formas brillantes y móviles son orgánicas pero metálicas, sus bordes curvados o bien floreciendo en arcos lineales que recorren la habitación. (Las tonalidades crean ilusiones de profundidad). Al igual que la tela deformada del continuo espacio-tiempo de Albert Einstein, la curvatura también recuerda los famosos fotogramas iniciales de “La vida en el espacio” de Stanley Kubrick.2001: Una odisea del espacio”, donde la cegadora luz blanca del sol parece surgir desde detrás del orbe negro de una Tierra enterrada —y tal vez incluso perdida— dentro del vacío circundante del espacio exterior. El borde del planeta está delineado como una media luna brillante, una luz que une los dos mundos.

Einstein, Kubrick: Eliasson nunca permite que la oscura física óptica inunde la experiencia del espectador, y con frecuencia hace un guiño a la imaginería común de la cultura popular como un ancla agradable. Instalación 2018 En la Fundación de Arte Marciano, cerca de Hancock Park, la última vez que se exhibió su obra en Los Ángeles, sus proyecciones de color altamente saturado se produjeron proyectando rayos intensos de luz blanca pura a través de geles monocromáticos colocados en las vigas del edificio. El método se basó en la mecánica centenaria de los procesos cinematográficos Technicolor de Hollywood para crear una “imagen en movimiento” abstracta en un espacio tridimensional.

A veces, las formas de “Pluriverse assembly” sugieren objetos familiares: una simple bombilla, por ejemplo, o una tipología cambiante de jarrones griegos antiguos, como un ánfora o una jarra de enócoa. Sin embargo, en lugar de tungsteno incandescente o vino y aceite de oliva, estas formas en constante transformación llevan brillantes puntos de luz. La bombilla sugiere iluminación, mientras que esos viejos recipientes de arcilla, a veces utilizados como marcadores de tumbas u ofrendas funerarias, le dan una dimensión espiritual a la visión luminiscente de Eliasson.

La hipnótica y hermosa iluminación que llama la atención finalmente da paso a la percepción de que también se proyecta un nivel de luz más tenue sobre las paredes laterales de la galería: en su mayoría arcos y círculos en movimiento, como los ojos de un gato que se ven de noche. ¿Reflejos? ¿Fugas de luz?

Al acercarse para inspeccionar, se descubre que la tela plana frontal de la obra es en realidad una caja poco profunda, con una tela negra tensa a cada lado. A través de la tela velada, se puede vislumbrar algún tipo de maquinaria en el interior. Si se da la vuelta, la cortina del mago se descorre para revelar una sorprendente variedad de mecanismos que crean los efectos ópticos mágicos en el frente.

Lo más sorprendente es lo poco tecnológico que es todo. Algunos halos y discos de vidrio transparente cuelgan en el espacio, suspendidos sobre filamentos. Unos cuantos focos de pie, con sus rayos de alta intensidad enfocados sobre trozos de vidrio, producen el espectáculo visual a medida que la luz se dobla y se hace añicos.

Camine detrás de la gasa negra de Olafur Eliasson y el artista le revelará cómo los fantasmas de “Pluriverse assembly” están hechos de elementos simples que incluyen discos de vidrio colgados en filamentos frente a focos.

(Christopher Knight/Los Angeles Times)

Una lámpara está colocada sobre un pedestal que sostiene lentes de vidrio y otros objetos sobre dos pequeños platos giratorios que giran a diferentes velocidades. (¿Has visto esas llamativas exhibiciones de anillos de circonita cúbica y pulseras de piedras preciosas creadas en laboratorio en la cadena de televisión Jewelry TV?) Las yuxtaposiciones aleatorias de objetos crean patrones de iluminación en constante cambio, que se reflejan en un espejo en ángulo fijado por encima y por detrás de la gran pantalla.

En los rincones de esta trastienda, unos paneles suspendidos interrumpen aún más la acción perceptiva, creando en un momento dado lo que juro que era un rombo dentro de un disco que parecía el globo ocular de la CBS, una conocida marca corporativa, guiñando el ojo. Las múltiples insinuaciones de la televisión me hicieron sonreír. Eliasson trabaja con un equipo de fabricación, pero la mecánica de la instalación tiene la sensación desconcertante de un taller improvisado de un manitas obsesionado en el garaje, aunque ensamblada y entregada con sofisticación y estilo.

Volver a sentarse en un banco y contemplar nuevamente el espectáculo imaginativo se convierte en una experiencia encantadora en lugar de desconcertante. Como si estuviéramos en el cine, la “asamblea Pluriverse” reúne mundos humanos, naturales y espirituales: el universo hecho plural.

Eliasson trabajó con el curador principal del Museo de Arte Contemporáneo, José Luis Blondet, la curadora asociada Rebecca Lowery y las asistentes curatoriales actuales y anteriores Emilia Nicholson-Fajardo y Anastasia Kahn. Organizaron la exposición alrededor de una galería central que presenta un arco iris de luz simple que se arquea a lo largo de una pared posterior independiente. El arco iris respalda cuatro torres altas y espejadas en el frente de la sala, configuradas en las formas de un triángulo, un cuadrado, un rectángulo y un círculo, cada una elevada del piso sobre patas delgadas. Miden entre 24 pies y más de 40 pies de altura. Pase por debajo de las paredes espejadas de una torre y entre en su santuario interior, y una variedad de efectos ópticos se despliegan en lo alto, bañando a los visitantes con su luz inusual.

Los monumentales caleidoscopios de Olafur Eliasson se han instalado en la exposición Geffen Contemporary del MOCA. Los visitantes entran en torres de espejos y miran hacia arriba para ver mundos desplegarse ante sus ojos.

(Craig Nakano/Los Angeles Times)

Lo más inesperado está compuesto por bolsas de plástico de supermercado que se han ido recuperando. Giran y revolotean, su reflejo perturbador en el infinito reflejado se enreda con el tuyo, que te mira boquiabierto, y se hunde en un lodazal de desechos callejeros.

De repente, las altas formas de las torres sugieren estructuras familiares: boyas que se balancean en el mar, advirtiendo de bancos de arena peligrosos más adelante; plataformas petrolíferas en aguas profundas, que extraen el fluido que impulsa la ruina industrial del calentamiento global; las torres de vigilancia que vigilan una prisión o una instalación militar. Estás dentro. Sal y camina frente a una luz amarilla proyectada contra la parte trasera de la pared del arco iris, y tu sombra proyectada se fragmenta misteriosamente, como una baraja de cartas que se abre en abanico.

Olafur Eliasson, “Caleidoscopio de principio a fin (detalle)”, 2024, técnica mixta

(Olafur Eliasson)

La simplicidad de la obra de Eliasson es engañosa. En otra sala, esculturas basadas en caleidoscopios deslumbrantes introducen meditaciones alucinantes sobre la eternidad ilimitada, tanto molecular como astronómica, natural e industrial, micro y macro, y de maneras que la obra lúdica y vagamente relacionada de Yayoi Kusama cámaras infinitas reflejadas Nunca lo hagan. Se utilizan materiales que van desde simples gotas de agua hasta filtros polarizadores de última generación. Los resultados preparan el terreno para un encuentro asombroso en el entrepiso del museo: una instalación sorprendentemente simple de tres paredes de espejo.

Esos espejos, que se reflejan entre sí en un interior de paredes blancas, transforman un espacio arquitectónico de escala modesta en algo así como un vasto paisaje vacío copiado de “Dune”. Grandes tubos semicirculares montados en los espejos se convierten en anillos reflejados, que parecen flotar en el espacio visual en ángulos invertidos. Por un momento, es difícil saber exactamente dónde estás y distinguir arriba de abajo. Las personas en la galería, incluido tú, quedan visualmente atrapadas por los anillos, casi como si estuvieran atadas perceptualmente contra la posibilidad flotante de alejarse flotando.

Como siempre, Eliasson revela el secreto, exponiendo el espacio detrás de cada pared independiente. Sus respaldos también están cubiertos por espejos, y pesados ​​contrapesos de acero sostienen los tubos semicirculares que sobresalen del frente. De repente, se enfatiza la ineludible (aunque invisible) atracción de la gravedad. Esa es una preocupación fundamental de la escultura en todas las épocas y culturas artísticas (su anillo de bronce, por así decirlo) y aquí hace un trabajo extraordinario al energizar espacios tanto reales como ilusionistas.

Sin sonido, pero titulada “La dimensión de la escucha”, la instalación exige estar alerta, como un animal humano al acecho, podríamos decir, una bestia que depende de una observación aguda para sobrevivir. Esa es la idea general de la obra de Eliasson, que extiende magníficamente el linaje del arte de la luz y el espacio que comenzó en Los Ángeles en los años 50 y 60 con predecesores tan profundos como Juan McLaughlin, Roberto Irwin y Doug Wheeler.

La encuesta del MOCA se titula “OPEN” (ABIERTA), todo en mayúsculas. Al igual que esos artistas anteriores, Eliasson se esfuerza por evitar que la percepción se cierre, se aplane en la aburrida familiaridad de los hábitos debilitantes, lo que se aplica a diversas experiencias, ya sean emocionales, políticas o sociales. La generosidad de un proyecto de este tipo no se puede exagerar, y es nada menos que estimulante.

Olafur Eliasson, “La dimensión de la escucha (detalle)”, 2017, técnica mixta.

(Christopher Knight/Los Angeles Times)