El nuevo y salvaje reinicio de superhéroes de Netflix tardó 20 años en realizarse

ultraman es uno de los superhéroes más reconocibles de la historia, pero no en Estados Unidos. Desde el debut del personaje en la serie homónima de 1966, Ultraman ha sido un pionero del género del “héroe kyodai (o gigante)” y un elemento básico de tokusatsu, la marca de medios con muchos efectos exclusiva de Japón. Para Shannon Tindle (Kubo y las dos cuerdas, Ollie perdido) esto significó que hacer la historia de sus sueños de Ultraman en la película animada de Netflix Ultraman: en ascenso requeriría honrar los casi 60 años de historia de la franquicia tanto como presentarla a personas cuya única exposición al kaiju es con Godzilla.

“Mi objetivo era tomar un personaje que, si bien es enorme en muchas partes de Asia, no es conocido fuera de ella”, dice Tindle. Inverso en el Festival de Cine de Animación de Annecy, donde Ultraman: en ascenso tuvo su estreno mundial. “Quiero que la gente se entusiasme con ese mundo y con Ultraman”.

Tindle ha estado trabajando en Ultraman: en ascenso durante más de 20 años, primero desarrollándolo como Hecho en Japónuna película ajena a la ultraman franquicia. Es parte de por qué la película funciona tan bien para los recién llegados: está estructurada como una película independiente sobre un superhéroe que aprende a ser una mejor persona al convertirse en padre. La película sigue a Ken Sato, una superestrella del béisbol que regresa a su Japón natal para tomar el manto de Ultraman y defender Tokio de los kaiju después del retiro de su padre. Pero tiene que enfrentar un desafío completamente nuevo cuando se ve obligado a cuidar de un bebé kaiju.

Pero la clave para Ultraman: en ascensoLo que más destaca de su accesibilidad es su animación, producida por el legendario estudio ILM. Mejor conocido por el público por su trabajo de efectos visuales en todo, desde Guerra de las Galaxias a Parque jurásicoILM fue fundada por George Lucas en 1975 y desde entonces ha estado a la vanguardia de los efectos.

En una entrevista con InversoTindle ayuda a descomponerse Ultraman: en ascensoy el trabajo revolucionario que ILM aporta a la película.

Esta entrevista ha sido editada y condensada para mayor claridad.

Después de desarrollar la película durante tantos años, una vez que descubriste que podías convertirla en una ultraman película, ¿cuánto cambió la historia original?

No mucho. Una vez llegué a Netflix y fuimos a Tsuburaya (productores de ultraman), tuvimos conversaciones muy honestas y directas sobre cosas que ellos querían proteger y cosas que yo quería proteger. Tuvimos una experiencia increíble, hasta el punto de que el Dr. Onda en la película lleva el nombre de uno de los directores ejecutivos de Tsuburaya, como una oda a él. Pero Ken Sato siguió igual, su padre siguió igual.

Las cosas nuevas fueron tomar el villano que ya existía y modernizarlo para convertirlo en un equipo científico. Todo ultraman La serie tiene un equipo científico, y mi idea era darle la vuelta a eso y convertir al equipo científico en el malo de esto. Aunque Tsuburaya inicialmente estaba preocupado por el canon establecido, se nos ocurrió que la madre de Ken era la fundadora de la Fuerza de Defensa Kaiju, y estaban destinados a comprender al kaiju en lugar de destruirlo, hasta que el Dr. Onda se perdió.

Una vez que sepas que esta será una historia de Ultraman, ¿qué elementos de la franquicia principal consideraste esenciales para conservar y qué querías adaptar y cambiar para tu propia visión?

De lo que habíamos hablado con Tsuburaya era de que nuestra película existe en su propio universo fuera de cualquiera de las series, al igual que la serie animada anterior existe fuera del universo de acción real. Esos tipos tienen trajes mecánicos, lo cual es muy diferente al original. ultraman serie o ultra siete. Entonces, aunque rindo homenaje al diseño original de Ultraman con el nuestro, lo hice porque pensé que incluso si el público no conocía Ultraman, podrían reconocer esa imagen. Creo que es uno de los diseños más fuertes e icónicos de todos los tiempos. Y creo que es por eso que se quedó conmigo tanto tiempo, desde los 5 o 6 años hasta ahora.

La regla siempre fue, si apoya la historia de Ken, entonces permanece. Si va en contra o distrae a la audiencia que no es fan, entonces está fuera. Eso no significa que no tengamos toneladas de referencias para los fanáticos incondicionales que lo han visto. Simplemente no quería entrar en una situación en la que estuviéramos pagando fan service y la gente que no sabía lo que estaba sucediendo en la pantalla estuviera confundida y eso les impidiera interactuar con Ken. No quería que tuvieran que hacer la tarea de ver la serie. Lo que espero que suceda es que cuando la gente vea la película, se emocionen mucho y vuelvan a ver la serie original. Creo que se llevarán una sorpresa realmente agradable porque hay muchas historias geniales en la serie alternativa original, y es por eso que ha durado tanto.

¿En qué momento ILM se involucró en la película y cómo fueron algunas de las conversaciones anteriores en lo que respecta a las imágenes?

De hecho, ya estaba trabajando con ellos en otro proyecto llamado Ollie perdido. Mi productor Tom Knott estaba viendo los diarios que llegaban de ILM durante Ollie perdido, y quedó impresionado. Él dijo: “¿Crees que alguna vez volverían a hacer una película animada?” Luego le pregunté a Stefan Drury y Hayden Jones de ILM, que estaban trabajando en ollie, y en ese momento dijeron que no creían que estuvieran haciendo películas animadas, pero que tendrían la conversación. Entonces les tendí una trampa. Estaban en Los Ángeles e íbamos a tener una reunión sobre olliey decidí tenerlo en nuestro ultraman habitación, que tenía algunas ilustraciones de la película. En ese momento, parecía que las cosas estaban cambiando y que podrían hacer otra película animada, y todo empezó desde ahí.

¿Cuáles fueron algunos de los elementos que ILM aportó y que los hicieron únicos como socio de estudio?

Una de las razones por las que estaba tan emocionado de trabajar con ILM es porque aunque la película iba a ser estilizada, lo que normalmente no hacen, quería que la cámara se basara en cámaras reales, lentes reales y movimiento real. Armamos un kit de lentes, tal como lo harías si estuvieras haciendo una sesión de acción en vivo. Hayden Jones (jefe de efectos visuales) y su equipo encontraron pruebas realizadas con lentes de alcance Toho originales para recrear en nuestro estilo aquí porque esa es la relación de aspecto de algunas de nuestras películas japonesas favoritas. Una pequeña cosa que hicieron fue que cuando nace Emi, no hay señales de sonido más que ondas, pero agregaron un toque de vibración del helicóptero para recrear la sensación de filmar la escena en acción real con un helicóptero para darle escala. Ese es el tipo de cosas que obtienes con ILM. Han hecho mucho en el mundo de la acción en vivo, están tan familiarizados con todos los lentes, todos los respaldos de las películas, todos los sistemas de cámaras, que pueden replicar lo que es más difícil de conseguir en un estudio de animación.

Una cosa de la animación que realmente me gustó fue ver las actuaciones, especialmente a Emi, que actúa como un bebé real con un traje de kaiju. ¿Por qué era eso importante?

Me gusta basar el rendimiento de la animación en la experiencia real. Es mi tipo de animación favorito. Todas esas pequeñas cosas con matices que haces, como dar golpecitos con la pierna, cruzar las manos con los pulgares juntos. Esas son cosas muy específicas que suceden cuando simplemente estás sentado. Entonces animé a ILM a incluir todos esos detalles. Queríamos basar esto en cosas que vemos en la vida real en lugar de en lo que vemos en la animación, porque muchos de esos movimientos que vemos una y otra vez se han convertido en clichés. Les dije, cuando Ultraman aterrice, no hagan la pose de héroe de Iron Man, encontremos nuestro propio lenguaje.

La película está ambientada íntegramente en Japón, lo cual es raro en una adaptación estadounidense de una propiedad japonesa. ¿Por qué fue esto importante para esta historia?

Para nosotros era muy importante hacerlo bien, que esa ubicación pareciera real. Las primeras cosas que hicimos fueron que queríamos asegurarnos de contratar gente japonesa, no solo en el lado de Netflix, sino también en el lado de ILM. Dijimos muy específicamente que queremos asegurarnos de contratar animadores japoneses porque los personajes japoneses se moverán de cierta manera. De una cultura a otra, las personas se comportan de manera diferente y queríamos capturar eso. Teníamos nuestro propio comité cultural formado por miembros de nuestro equipo que eran japoneses o japoneses americanos y revisaban cada uno de los activos que pasaban.

Makiko Wakita, nuestra supervisora ​​de producción, mencionó desde el principio que Ken tiene más arrogancia de la que verías en el típico jugador de béisbol japonés, y nos preguntó si consideraríamos convertirlo en japonés-estadounidense, que es donde dice esa frase de Ken sobre los niños que se burlan. de la forma en que hablas, miras o comes (viene de). Hubo un momento en que el proyecto estaba en otro estudio y querían que se desarrollara en Los Ángeles, pero cuando llegamos a Netflix, lo volvimos a trasladar a Japón. La intención siempre fue tener un protagonista japonés o japonés americano y contar una historia desde un punto de vista identificable y auténtico. Mi objetivo era tomar un personaje que, si bien es enorme en muchas partes de Asia, no es conocido fuera de ella. Quiero que la gente se entusiasme con ese mundo y con Ultraman.

Ultraman: en ascenso se está transmitiendo ahora en Netflix.