Invitado por el nuevo ECAM Foro del mercado de coproducción en Madrid para inspirar a cineastas y creadores emergentes, al veterano productor independiente estadounidense y ex ejecutivo cinematográfico de Amazon Studios esperanza está impartiendo una clase magistral, El momento transformador es ahora. Duplicar el glorioso desastre que nos hace humanos.
Hope tiene una impresionante trayectoria de más de 70 películas en su haber, incluidas “The Ice Storm” de Ang Lee y “The Wedding Banquet”, realizadas bajo el emblemático buena maquina marca en la década de 1990. Sigue produciendo de forma independiente con pasión después de haber lanzado la incursión de Amazon en la producción de largometrajes, y su blog “Hope for Film” es una lectura inspiradora para el cine independiente.
Hablamos con Hope antes de su masterclass en Madrid.
Hace menos de un año, en Locarno, habló de tiempos apocalípticos en el cine independiente. “El sector del cine independiente está jodido”, afirmaste. ¿Cuál es tu estado de ánimo hoy? En Foro ECAM Madrid, tu charla versa sobre 'El Momento Transformador es Ahora'. Suenas menos alarmista hoy…
El verano pasado, hubo una acumulación de evidencia que hizo que las cosas parecieran apocalípticas: la huelga dual de escritores y actores en Estados Unidos, el desafío de recuperarse de la pandemia, las prácticas anticompetitivas de las plataformas globales de streaming. Se podría agregar la codicia de los directores ejecutivos y cómo las alianzas con Wall Street estaban afectando la cultura. Fue una especie de tormenta perfecta.
Siempre he sentido que en el sector independiente estadounidense teníamos múltiples opciones, desde producir películas hasta hacerlas llegar al público, y solía haber lo que a menudo llamo “las 200 puertas a tocar”. ” El desafío era tener la resistencia para seguir intentándolo, ya que eventualmente esas puertas te invitarían a entrar, si podías mantenerte fresco. Ahora nos quedan seis puertas. Este es un verdadero desafío.
Creo que si captas lo que aparentemente es negativo, empiezas a ver cómo avanzar. Como comunidad, necesitábamos este año para hacer un balance de las cosas. Ahora podemos empezar a definir hacia dónde queremos ir y cuál es el mejor camino. Por eso estamos en un momento transformador. Todas las herramientas están ahí. No tenemos el capital que teníamos hace 10 años, con el boom del streaming, financiado con dinero barato. Pero lo que sí tenemos es la conciencia, el conocimiento y la voluntad de hacer algo diferente. Por eso soy optimista.
Siempre he tenido un profundo amor por el cine porque es un medio muy especial y somos muy afortunados de tenerlo. Sólo esto me empuja hacia adelante.
Ha mencionado la concentración de poder y la reducción de las opciones para financiar y distribuir películas para cineastas independientes. Pero las películas (y las series) en lengua extranjera tienen la oportunidad de llegar a millones de personas en todo el mundo gracias a las plataformas, y eso ayuda a que el talento local y las diferentes voces también ganen visibilidad más allá de las fronteras nacionales…
De hecho, hay un nuevo cambio desde el dominio de la cultura de Estados Unidos y Hollywood hacia múltiples perspectivas globales, que es un resultado directo de la tecnología de streaming. Esto es fantástico. Pero se necesita más en nuestra era del streaming para que realmente funcione.
Entré al mundo del streaming con un optimismo tremendo sobre lo que harían las plataformas. No vi que cuando esto se mezcla con el capitalismo no regulado, el mercado de valores, en realidad puede aplastar una amplia gama de voces.
Lo que se necesita para permitir que florezcan la cultura y las diferentes voces es regulación, y no se necesita tanta regulación para permitir que las empresas y la cultura cohabiten. Uno de los mejores ejemplos es el sistema del Reino Unido, que exige que las emisoras tengan el 25% de la programación procedente de terceros proveedores. Esto ha permitido al Reino Unido tener una participación de mercado mucho mayor, porque las empresas independientes pueden fabricar productos más baratos, de una manera más rentable y, francamente, mejores. Todo el mundo debería tener igual acceso a la cultura y la expresión.
Si nos fijamos en Corea del Sur, diría que sus políticas cinematográficas proteccionistas probablemente han beneficiado a su industria y han ayudado a que su cultura se desarrolle y tenga un valor global. De manera individual, las naciones están buscando cómo proteger su cultura y al mismo tiempo adoptar plataformas globales, ya que esto permite que el contenido nacional llegue a nivel internacional como nunca antes. Todavía hay historias centrales que la gente cuenta en todo el mundo, pero se necesitan puntos de vista únicos de los mejores talentos.
Cuando te uniste a Amazon Studios en 2015, ¿es esto lo que intentaste introducir? ¿Diversidad y cine de prestigio?
Sí. Nos referimos a estar en el Iris de la flor y queríamos que crecieran los pétalos. Teníamos un punto central de aspiración: un cine de prestigio y aclamado por la crítica. A partir de ese iris quisimos desarrollar los pétalos que lo rodean. Comenzaríamos, por ejemplo, en un género que tuviera prestigio y nos expandiríamos hacia afuera. Sin embargo, nunca nos salimos mucho del iris. Dimos algunos pasos en el lanzamiento del pétalo, pero Amazon cambió la administración y no necesariamente adoptó este concepto. Quizás no se equivocaron desde una perspectiva empresarial, pero es otra cuestión desde una perspectiva cultural.
Con las plataformas globales, es clave reconocer que no están alineadas con el cine de autor, las películas centradas en el arte, la estética, los temas controvertidos o la verdad al poder en la investigación y el periodismo de no ficción. Están ahí para darte una rápida adrenalina.
Se trata de algoritmos, no de hacer que la gente descubra algo nuevo…
Hay un gran libro inteligente de Shoshana Zuboff llamado “La era del capitalismo”. Lo que captura es esa tormenta perfecta en el mundo posterior al 11 de septiembre, que llevó a una renuncia a la privacidad y a un cambio de lo que pensábamos que era correcto: Internet, las noticias falsas, el streaming y las redes sociales. Casi como un mecanismo controlado para hacernos estar más satisfechos con lo que obtenemos, que trabajar más duro para aprender cómo conseguir lo que queremos.
Creo que, hablando globalmente, no sólo tenemos que deshacernos de la fuerza anticompetitiva de las plataformas globales, sino que también tenemos que tener en cuenta lo que yo llamo la declaración de derechos de los artistas. No deberíamos tener derecho a vendernos a una servidumbre perpetua en peligro de extinción. El papel de la sociedad debería ser impedir que los desesperados se vendan. Un artista no debería poder renunciar a los resultados y a una parte de los resultados de su trabajo.
Aquí en Madrid, hablará con jóvenes cineastas, especialmente sobre el proceso creativo y el esfuerzo por elevar el cine. ¿Podrías explicar tu visión?
Hasta el día de hoy me encanta hacer películas hermosas y seguir haciéndolo. Pero lo que he aprendido es que muchas cosas se reducen a la sostenibilidad. ¿Cómo puedes tener resistencia para seguir adelante y sentirte bien con lo que estás haciendo? No todo el mundo recibe el descanso que se merece. Mucho depende de tener apoyo a tu alrededor y suerte en taquilla. Personalmente, debo gran parte de mi energía creativa a películas de cineastas como Jim Jarmusch, Spike Lee, Susan Seidelman y los hermanos Coen. Encendieron mi fuego.
Cuando miro a las organizaciones de apoyo al cine y a las escuelas de cine, siento que no han logrado enfatizar la necesidad de sostenibilidad, resistencia en el cine y hacer las cosas. Sin embargo, encontré trucos que me ayudaron en el camino.
¿Qué trucos?
Para simplificarlo, se trata de construir la pirámide invertida e intentar capturar los componentes de cada cosa a lo largo del camino. Cómo miramos el mundo, nuestro país, nuestra región, nuestra industria, nuestra comunidad, nuestras relaciones, nosotros mismos y cuáles son esos aspectos que definen el momento. Luego, en última instancia, intente encontrar valor y priorizar las cosas. A partir de ahí, intenta construir un patrón de reconocimiento de lo que prefieres y lo que quieres evitar.
En el Foro ECAM, muchos cineastas españoles emergentes cuentan historias muy específicas arraigadas en una cultura, una región, pero su humanidad los hace relevantes a nivel internacional. ¿Es este el camino a seguir?
Mi gran oportunidad llegó con Ang Lee y su segunda película, “The Wedding Banquet”, que se convirtió en un gran éxito. Ganó un Oso de Oro en Berlín; se vendió en todos los territorios y tuvo un enorme retorno de la inversión (alrededor de 43 veces) y hizo lo mismo seis años después. Básicamente entregó 100 veces su costo. Y gran parte de ese éxito se basó en la especificidad.
Creo que es necesario celebrar la diferencia en el cine. Nos ayuda a ver por qué no nos parecemos y, al hacerlo, expone cuánto nos parecemos en realidad. Cuanto más local, mientras la historia esté arraigada en la verdad emocional y la especificidad de esas distinciones, más universal se vuelve.
Generalmente prefiero películas internacionales, películas de festivales, que llegan a distribución a través de filtros, curación. Pero también veo a muchas personas caer en patrones, status quo en estilo y tema que luego disminuyen la apreciación de la distinción. Creo que subestimamos la relevancia cultural en el cine.
Animo a la gente a centrarse en su especificidad, pero a encontrar una manera de vincularla con lo que está sucediendo en otros lugares. ¿Cómo se compara una película vasca con una película de Taiwán, Ucrania o Jerusalén? ¿En qué se diferencian todos ellos, dónde hay momentos de similitud y dónde hay momentos de diferencias? Es fascinante.
¿Cuál es un modelo de negocio viable hoy en día donde el cine podría florecer?
Todavía estamos en una crisis porque no incorporamos cuestiones de innovación, experimentación y sostenibilidad en nuestro modelo de negocio. Estos deberían ser priorizados si queremos que se preserve la cultura cinematográfica.
En cierto modo, todo en lo que se han convertido los streamers era predecible. Pero como no hacemos lo suficiente para resolver los problemas globales, somos cegados por aquellos que tienen mayores reservas, como los estudios de Hollywood y las plataformas globales. Por suerte para nosotros, siguen cometiendo errores tontos. Pero sí necesitamos tener una mejor estrategia sobre cuáles son las opciones. Un ecosistema indie no dependiente, así como necesita priorizar al artista, también necesita priorizar la experimentación, la innovación y la sostenibilidad como parte de la financiación. Esto nos permitiría encontrar nuevos métodos de los que todos podamos aprender de antemano.
Siempre hemos sido propensos a favorecer la idea de un negocio unificado que pueda funcionar para todos. La verdad es que nunca será así. Todo arte requiere un diseño específico, una estrategia a medida.
Existen numerosas mejoras operativas que se pueden construir de forma sostenible y que empiezan a ofrecer una alternativa a la financiación actual. Nos metimos en el 'o lo otro', que es una forma binaria de pensar, perjudicial para la mayoría de los proyectos creativos. Si globalmente comenzamos a reconocer que existen microoperaciones disponibles para cada película, comenzaremos a construir el mecanismo que nos permita usarlas, de modo que se convierta casi en un servicio de suministro de terceros.
Se trata de buscar modelos de negocio alternativos. Mi hijo está en la moda, dijo desde el principio que uno de los fracasos de nuestro negocio es que buscamos las cosas sólo después de terminar la película. La industria necesita atraer gente nueva para ayudarnos a comprender la relación de lo que es, en última instancia, una relación emocional del consumidor con un producto.
¿No diría que también es clave perfeccionar las herramientas de marketing de antemano y comprender a la audiencia, a la base de fans en las redes sociales? También puede aprender observando ejemplos exitosos en la industria, como A24 que parece apoderarse del espíritu de la época y se ha convertido en una fuerza importante en el sector independiente. Acaban de tener el mejor estreno de su historia con “Civil War”, que superó los 25 millones de dólares en su debut en Norteamérica…
Lo que A24 hace mejor que nadie es reconocer que el cine es una experiencia compartida que va mucho más allá del momento transaccional de la película. Cuando construyeron su marca, la comercializaron bien. Mis sobrinos. por ejemplo, no son cineastas, pero debido al éxito de los equipos universitarios A24, donde están en el campus y ayudan a las personas a realizar un seguimiento de lo que están haciendo, hasta el día de hoy pueden nombrar la lista avanzada de A24. ¡Los siguen como un equipo deportivo!
A24 entendió bien la importancia de la marca. Comercializaron su actitud y ayudaron a la gente a anticipar lo que vendría después. Poco a poco fueron abriendo su embudo para ampliar su oferta cinematográfica. Ahora tienen películas más estelares, con temas ampliamente aceptados, pero ¿podrán mantener su integridad mientras intentan expandirse a un gran nivel de estudio? Ya veremos.
¿Tiene esperanzas sobre el futuro del cine, tanto en la pantalla grande como en otros lugares?
Mi experiencia 100% preferida es estar sola en la oscuridad con perfectos desconocidos para ver una película. Me encanta eso. Es significativo para mí. Pero es fundamental no ser reduccionistas, limitar nuestros sentidos. Tenemos que ser inclusivos con las diferentes formas de hacer y experimentar las cosas.
¿Has visto alguna película o serie española recientemente?
No veo muchas series. Hay tantas películas que quiero ver primero. He visto 125 películas en lo que va de año. Una de ellas fue la pequeña película española “Calledita” de Miguel Faus, que estuvo genial.
