Imagen principalMiles GreenbergFotografía de Eva Roefs
El historiador de arte, curador y escritor Alayo Akinkugbe está detrás de la popular página de Instagram Una historia negra del arte, que destaca a artistas, retratados, curadores y pensadores negros ignorados, del pasado y del presente. En su columna para AnOthermag.com titulada Miradas NegrasAkinkugbe examina un espectro de perspectivas negras de todas las disciplinas artísticas y a lo largo de la historia del arte, preguntando: ¿cómo ven y responden los artistas negros al mundo que los rodea?
Miles Greenberg es el artista canadiense radicado en Nueva York conocido por sus grandiosas y extenuantes actuaciones de larga duración. En su trabajo, Greenberg y otros artistas a menudo aparecen disfrazados, con la piel aceitada, lentes de contacto blancos que parecen extraterrestres o untados con pintura corporal negra azabache. Pero en cuchillo para ostrasque describe como “la cosa más difícil que jamás haya hecho con (su) cuerpo”. Greenberg estaba vestido con un 'atuendo civil'.
Esta actuación, en la que Greenberg caminó sobre una cinta transportadora durante 24 horas consecutivas sin interrupción, se transmitió originalmente en vivo desde Montreal, Canadá, en julio de 2020 en colaboración con Marina Abramovic Instituto. La película de la actuación se estrenará en el Reino Unido en la galería londinense Albion Jeune, junto con la de Douglas Gordon. Psicosis las 24 horas (1993) en la exposición veinticuatro veinticuatro.
A continuación, Miles Greenberg analiza la influencia de autores como Zora Neale Hurston, sus odas a las esculturas anónimas de los “blackamoor” en Venecia y cómo aprendió a esculpir con mármol.
Alayo Akinkugbe: Empecemos por el nombre de tu actuación que se proyecta en Albion Jeune. cuchillo para ostras. ¿De dónde viene ese título?
Millas Greenberg: Escribí este artículo en voz muy baja en el dormitorio de mi infancia, en cuarentena en 2020, el día en que le dispararon a Ahmaud Arbery (mientras corría). Estaba pensando en este simple gesto de cardio, pensando en una especie de poesía para despojarnos de la violencia y encontrar un ritual más culminante, para un final como ese. Este era un trasfondo muy privado para (cuchillo para ostras); Hasta ahora no he hablado mucho de ello públicamente. Ese fue el catalizador inicial.
Fue un momento muy extraño porque Sentí que mi propio miedo silencioso, (ese) miedo constante de bajo nivel a la policía, a la violencia, a una dinámica de subyugación, era muy privado, y mi propia cabeza de repente había explotado en Internet. Y todos seguían preguntándome si estaba bien, sobre algo que realmente sentía que era un secreto. El título proviene del ensayo de Zora Neale Hurston, Cómo se siente estar coloreado. La mayoría de las veces, no sé de qué se trata mi trabajo hasta que lo muestro. Tenía muchos sentimientos sueltos que se consolidaron a través de esta pieza.
AA: Dejaste la educación formal cuando tenías 17 años y empezaste a trabajar de forma independiente como artista. ¿Qué te impulsó siendo tan joven a emprender un camino independiente?
MG: En la escuela me di cuenta de que (ya) conocía mucho del trabajo del que estábamos hablando. Algo de eso lo había visto con mi madre, quien me llevaba a todas partes y me daba educación en el campo. Sabía intuitivamente que (la escuela) no era la opción adecuada. Acababa de empezar a trabajar y me ofrecieron un par de espectáculos grupales que no estaban afiliados a la escuela, así que pensé en intentar practicar durante un año. Luego me ofrecieron una residencia en Beijing, así que seguí adelante. Luego hice una residencia en París y me quedé allí durante lo que se convirtieron en tres años y medio.
“Es importante enfatizar que el trabajo no trata sobre el dolor… Ciertamente no se trata de mi dolor negro y no se trata de este teatro perpetuo de muerte negra en el que vivimos” – Miles Greenberg
AA: ¿Qué es lo que te atrae del rendimiento duradero y de llevar tu cuerpo al límite? ¿Ha sido la actuación algo que has querido hacer toda tu vida?
MG: Es totalmente incidental. No estoy particularmente interesado en el rendimiento (aspecto). Mi cerebro funciona como un escultor, aunque la interpretación siempre ha sido algo que me fascina debido a lo agudos y contundentes que son nuestros reflejos emocionales al ver otros cuerpos humanos. Siempre sentí una fuerte atracción por la escultura clásica cuando veía estatuas grecorromanas (por ejemplo). Creo que tu corazón responde muy rápido al ver extremidades, torsos y cosas que reconoces.
La visceralidad es algo con lo que siempre he querido jugar. Me encanta la inmediatez de la interpretación, me encanta que mientras la haces, el público ya la está consumiendo. Me lo presentó por primera vez Marina (Abramović), en (la exposición) El artista está presente. Mi madre me llevó a ver esa exposición en el MoMA cuando tenía 12 años y eso cambió mi vida. Pero también estoy haciendo (esculturas) de mármol en este momento, lo cual me entusiasma. Estoy aprendiendo a tallar.
AA: A menudo haces referencia a estatuas de “blackamoors” en tu trabajo, como en tu reciente actuación. Sebastián, que se realizó en la semana inaugural de la Bienal de Venecia. ¿Por qué recurres a este tipo de imágenes?
MG: Cuando tenía nueve años, recuerdo haber ido al museo Ca' Rezzonico en Venecia con mi madre. Tenía docenas de estas estatuas de ébano de esclavos y soldados del siglo XVII. Eran extremadamente intrincados, pero las figuras eran partes de mesas o sillas, agarradas a los brazos de los asientos.
Sus (funciones) eran estructurales; Algunos de ellos eran pilares y mantenían unido el espacio, pero son las únicas figuras en ese espacio que no tienen ningún nombre o identidad. Se puede nombrar cualquier representación de cualquier persona blanca, ya sea nobleza o un personaje mitológico, cada uno de ellos tiene una historia y de alguna manera eso simplemente no llegó al pueblo negro. Ver esas figuras cambió algo en la química de mi cerebro, y recuerdo que fue igualmente inspirador y traumatizante al mismo tiempo.
pienso Kerry James Marshall y tantos artistas que (usan) la negritud como metáfora, que la han tomado y la han exagerado. Supongo que solo estoy tratando de vivir en ese universo y encontrar mi propio lenguaje y crear poesía en torno a ser una sombra.
AA: Y cuchillo para ostras se proyecta en Londres junto al renombrado videoartista Douglas Gordon Psicosis las 24 horas (1993).
MG: Estoy muy emocionado de enfrentarme cara a cara con Douglas Gordon en este programa. Simplemente tiene una mente genial. La primera vez que visité su estudio en Berlín tenía alrededor de 18 años. Caminó todo el tiempo con un hacha en el cinturón, que yo no dejaba de mirar, y en un momento, la sacó y la arrojó desde diez metros de distancia. a la pared más alejada y aterrizó justo en medio de una huella. Yo estaba como, “Mierda santa”. Me emociona estar en diálogo con su trabajo.
AA: ¿Cómo es? cuchillo para ostrascomo lo ha descrito antes, “una carta de amor al arte escénico de la década de 1970, y más específicamente a los grandes pioneros negros de la resistencia como Senga Nengudi, Pope.L y David Hammons”?
mg: cuchillo para ostras fue presentado por primera vez por el Instituto Marina Abramović. Marina y yo lo estábamos discutiendo con anticipación y estábamos pensando en qué debería ponerme. Fue la primera pieza que hice vestida de civil. Ella me dijo que en los años 70, (los artistas de performance) simplemente vestían de blanco sucio, negro sucio o gris sucio. Así que opté por el gris sucio. (La actuación) fue extremadamente sencilla, extremadamente simple, extremadamente directa, pero también extremadamente difícil. Sigue siendo lo más difícil que he hecho jamás con mi cuerpo.
Es importante enfatizar que el trabajo no se trata de dolor. No se trata de sufrir. En última instancia, esta obra, aunque su origen surgió del asesinato de un hombre negro a manos de una milicia racista, todavía no trata sobre el dolor. Ciertamente no se trata de mi dolor negro ni de este teatro perpetuo de muerte negra en el que vivimos. El dolor y la incomodidad pueden usarse tanto como el éxtasis y el placer, como una puerta a la comprensión de nuestros cuerpos. Se trata realmente de la vida.
veinticuatro veinticuatro de Douglas Gordon y Miles Greenberg se exhibirá en Albion Jeune en Londres hasta el 28 de julio de 2024.
