Artistas feministas miran con escepticismo en la nueva exposición de arte de PST

“La vida en la Tierra: Arte y Ecofeminismo” es una exposición un tanto difícil de captar, pero eso se debe principalmente a que su tema importante es mucho más amplio de lo que puede abarcar una presentación diversa pero relativamente modesta.

El ecofeminismo rechaza la idea del dominio humano sobre la naturaleza. La exposición inaugural en Brick, un espacio de arte independiente anteriormente conocido como LAXArt y recientemente trasladada a Western Avenue, presenta 18 obras de artistas y colectivos internacionales que tocan varias bases intrigantes del arte ecofeminista lanzado desde la década de 1970.

La insistencia en la supremacía de las personas sobre el mundo natural se cita como la principal fuente de destrucción ambiental. Además, la práctica está estrechamente ligada a la aparentemente intransigente marginación social de las mujeres. ¿Recuerdas la Madre Naturaleza? Si insistimos en considerar el mundo natural en términos tan femeninos, entonces la autoridad sobre las mujeres es un corolario esencial –e igualmente destructivo– de la autoridad sobre la naturaleza.

La primera pieza del programa podría ser una analogía del conjunto. En 1972, cuando Aviva Rahmani era estudiante en el Instituto de las Artes de California, dirigió y documentó en diapositivas una actuación titulada “Educación física”. Llenando una bolsa de plástico con agua del grifo, ella y un artista condujeron más de 50 millas desde la escuela suburbana en la reseca Santa Clarita hasta el Océano Pacífico, deteniéndose cuatro veces en el camino para depositar cucharaditas de agua al costado de la carretera y luego reemplazando cada uno con una cucharada de tierra.

Cuando Rahmani llegó a la playa, vaciaron la bolsa llena de barro en la arena y la volvieron a llenar con agua de mar. Rápidamente lo llevó de regreso a CalArts, invirtiendo el proceso. Al llegar, tiró el agua sucia por un inodoro.

En la exposición, un ciclo de retorno elemental y desperdicio fundamental se desarrolla en diapositivas proyectadas desde una bandeja automatizada sobre una pantalla independiente ordinaria. La configuración, común en el arte conceptual predigital, es muy parecida a la forma en que la gente solía mostrar a los vecinos fotografías felices de sus vacaciones de verano. Aquí, el transporte acuático asume una forma grandiosamente ritualista aunque decididamente prosaica.

Ninguna de las imágenes fotográficas individuales de “Educación Física” es especialmente distintiva. En cambio, la característica artística de la obra está incrustada en la composición de la instalación.

Las imágenes de Rahmani no llegan a llenar la pantalla, aunque fácilmente podrían haber sido proyectadas de esa manera como instantáneas del viaje familiar a Disneylandia o Yosemite. Más bien, se acurrucan en un rincón, pasando modestamente, uno tras otro, mientras la bandeja de diapositivas hace clic en una rotación sin parar. El mayor espacio en blanco de la pantalla, mayoritariamente vacía, implica que hay mucho espacio para muchas más imágenes en espera de ser expuestas. Esta obra de arte con mentalidad ecológica se posiciona como solo un fragmento consciente de una visión del mundo mucho más amplia que debe verse como holística y sistémica.

Cerca de allí, un par de fotografías documentales de gran tamaño realizadas cinco décadas después por yétúndé olagbaju, radicado en Los Ángeles, contrastan con la pieza histórica de Rahmani. A la izquierda, en “protolito: calor, presión”, se ve al artista de espaldas, vestido con una túnica blanca y un pañuelo en la cabeza. Emergen de un afloramiento rocoso en un campo que de otro modo estaría cubierto de hierba y levantan las manos, como en señal de bendición. A la derecha, la composición es más o menos la misma, aunque ahora sus manos presionan la enorme piedra.

A lo lejos, se vislumbra una valla que sugiere un paisaje cultivado en lugar de uno salvaje, mientras que un poste telefónico solitario identifica la ubicación rural como unida a la comunidad a través de las comunicaciones modernas. Las fotografías representan inteligentemente la clásica paradoja de la fuerza irresistible. ¿Qué sucede cuando una fuerza imparable choca con un objeto inamovible? ¿Puede un artista alterar una relación cultural profundamente establecida con el mundo natural?

Ahora que lo pienso, en estas fotografías, ¿cuál es la fuerza y ​​cuál es el objeto: la persona o la roca? ¿O son intercambiables?

El artista radicado en Los Ángeles yétúndé olagbaju realizó una imposición ritual de manos en un afloramiento de piedra rural.

(Christopher Knight / Los Ángeles Times)

Toma un momento, pero el gesto de olagbaju de primero bendecir y luego tocar una roca aparentemente inamovible cambia tu perspectiva, y eso podría ser suficiente para generar al menos un cambio incremental. Al igual que el constante goteo del agua sobre la piedra, que a lo largo de milenios reduce un monolito a arena, el contacto humano se saldrá con la suya.

La exposición no es una historia exhaustiva del arte ecofeminista. Pioneros del género como Agnes Denes, que una vez transformó un vertedero de Manhattan en un maravilloso campo de trigo urbano, y Helène Aylon, que conmemoró el fin de la Guerra Fría con artes escénicas antinucleares, están ausentes. La presentación de Brick es más bien un boceto provocativo que sugiere que un museo haría bien en realizar una reseña histórica completa del arte ecofeminista del último medio siglo.

También es decepcionante que ningún catálogo acompañe la exposición; Se dice que uno está en proceso, pero no se espera su publicación hasta el próximo año, presumiblemente para que se puedan documentar e incluir nuevos encargos, instalaciones y obras de medios mixtos. Los espacios de arte solían lidiar con tales complicaciones publicando un conjunto de dos volúmenes: uno principal para acompañar la exposición en su apertura y un pequeño suplemento para registrar las adiciones. Pero esa práctica tradicional parece haber quedado en el camino.

Es una pérdida. Sí, el proceso de dos tomos es más caro de producir. Sin embargo, en beneficio del público artístico, simplemente debería considerarse necesario.

Aún así, inteligentemente organizada por la curadora de Brick, Catherine Taft, con los asistentes curatoriales Hannah Burstein y Kameron McDowell, “Life on Earth” logra cubrir una buena cantidad de territorio. En esta contribución al festival patrocinado por Getty “PST Arte: Arte y ciencia chocan”, la amplitud, tanto estética como geográfica, es amplia.

Una elegante sirena nadando en una planta de tratamiento de agua industrial en la película “Riparia” de la artista lituana Emilija Škarnulytė se convierte en una sirena peligrosa que atrae a los desprevenidos hacia las rocas. Leslie Labowitz Starus, que ha operado una granja urbana en Venecia durante décadas, exhibe poéticamente los brotes. Carolina Caycedo talla un trío de enormes semillas (calabaza, frijol, maíz) en madera como elegantes abstracciones escultóricas. Vídeos proyectados de ríos caudalosos y mares turbulentos se mezclan sin esfuerzo con fotografías dispares de la fluidez del género humano, lo que marca a las personas en el exuberante entorno de collage de AL Steiner que empapela las paredes de la galería.

La fluidez describe el género y la naturaleza en la instalación de fotografías y videos de AL Steiner.

(Christopher Knight / Los Ángeles Times)

La instalación de Steiner ayuda a desentrañar quizás la fuente más antigua y poderosa de la problemática fusión de la naturaleza y la condición de mujer en las concepciones culturales ordinarias. El Libro del Génesis se duplicó poco después de etiquetar a la Eva bíblica como el agente de la caída en desgracia en el Jardín del Edén. “Sed fructíferos y multiplicaos”, luego llegó la orden, “y llenad la tierra y sojuzgadla”.

Y someterlo. Subyugar a las mujeres, subyugar a la naturaleza. Piense en ese horrible binario mientras el clima continúa cambiando, mientras las aguas pluviales aumentan y arden los incendios.