PARÍS — En una calle común y corriente de un mercado parisino en un día lluvioso de otoño, el show de alto octanaje de Stella McCartney el lunes fue todo lo contrario.
Los invitados se quedaron sin aliento cuando cesó la llovizna, las nubes se abrieron y el sol salió momentos antes del espectáculo: una metáfora celestial, tal vez, de la exhibición optimista e inspirada en la naturaleza de McCartney.
Mientras tanto, dentro del histórico recinto de Les Invalides con su cúpula dorada, los invitados de Balenciaga tuvieron que presentar un anillo dorado, en lugar de una invitación, para entrar al espectáculo. Pasillos serpenteantes conducían a un atrio oscuro con una lujosa mesa de billar de madera pulida con incrustaciones de 100 metros de largo. La primera fila, incluida la editora de Vogue EE. UU., Anna Wintour, se sentó en sillas ornamentadas alrededor de esa mesa, creando una experiencia íntima y cercana.
A continuación se muestran algunos de los desfiles prêt-à-porter primavera-verano 2025 en París, incluido Balenciaga:
El espectáculo comenzó con lencería, complementada con zapatos y gafas de sol con puntas surrealistas, estableciendo un tono íntimo con un telón de fondo de música blues. Curiosamente, en lugar de desnudarse, la colección poco a poco fue añadiendo capas. Un vestido holgado y fruncido de los años 70 en la parte delantera presentaba tirantes rizados en la espalda, resaltando un tema clave de la colección: las dualidades. Este sutil juego de contrastes, algo con lo que Demna juega frecuentemente, enfatizó la tensión entre lo pulido y lo crudo.
A medida que avanzaba el desfile, los jeans con correas apretadas casi mantenían las piernas juntas, añadiendo una sensación de restricción que jugaba con las nociones de libertad y restricción. Las chaquetas acolchadas truncadas dieron a los looks un aire vanguardista y vanguardista, mientras que momentos de irreverencia emergieron a través de gigantescas zapatillas doradas y metálicas que parecían casi payasos, saltando mientras las modelos caminaban. Una gorra, baja y decorada con púas que se asemejaban a los dientes de un lobo, amplificó aún más la corriente punk de Balenciaga.
Unos jeans rotos que parecían haber sido personalizados en una tienda de segunda mano hicieron su aparición en la pasarela de lujo: un comentario sorprendente sobre la creencia inquebrantable de Demna de que el verdadero lujo no se trata de opulencia o exclusividad, sino de reinventar lo ordinario. El contraste era claro: artículos mundanos, como una camiseta a rayas de hombre, se yuxtaponían con deslumbrantes aretes de diamantes. Fue el enfoque ascendente y anti-lujo de Demna con toda su fuerza, desmantelando la visión tradicional de arriba hacia abajo de la alta costura y afirmando que la autenticidad, el ingenio y la subversión son los nuevos símbolos del lujo.
También hubo momentos de poesía inesperada: un abrigo de cuero negro, atado holgadamente a la cintura, dejando al descubierto los hombros desnudos de la modelo. Estas piezas fueron más allá de prendas de vestir; eran declaraciones sobre la vulnerabilidad y la imperfección, dos de los temas centrales de Balenciaga. La belleza imperfecta, las creaciones espontáneas y aparentemente fortuitas, hablaban del amor de Demna por la coexistencia de la perfección y la imperfección.
La colección ecléctica y súper genial era cohesiva solo en su locura, imprevisibilidad y humor. Fue una celebración descarada de la creatividad como el máximo lujo: un recordatorio audaz de que, en un mundo abrumado por el contenido, la verdadera originalidad es el bien más escaso y valioso de todos.
Los diseños eran deslumbrantes, fusionaban brillo, ingenio y una confección elegante para capturar una sensación de diversión lista para la discoteca.
VIP como Natalie Portman, Greta Gerwig y Paris Jackson no pudieron resistirse a tamborilear con los pies en medio de la banda sonora más contagiosa de la Semana de la Moda de París hasta el momento. Las modelos se pavoneaban con peinados ingeniosos que se balanceaban teatralmente, recordando a la propia película de Gerwig, Barbie, añadiendo otro elemento lúdico al espectáculo.
La sastrería de Savile Row se reinventó al más puro estilo Stella: chaquetas de hombros marcados combinadas con blazers entallados y trabillas exageradas para el cinturón, mientras que pantalones voluminosos y atrevidos culottes tipo bóxer mantuvieron el estilo divertido. Este no es un territorio nuevo para McCartney, quien a menudo reelabora la sastrería clásica con un toque vanguardista.
Los trajes a rayas obtuvieron una mejora glamorosa con líneas limpias de satén y brillantes cristales sin plomo, combinados con suéteres deportivos cortos, otra de sus yuxtaposiciones distintivas de alta costura con un ambiente relajado.
Los drapeados fluidos fueron otra estrella de la pasarela, desde vestidos de seda asimétricos que desafían la gravedad hasta faldas de cuero vegano que se doblan sobre sí mismas. Los bombarderos color crema con aberturas en forma de alas y vestidos transparentes inyectaron un estilo etéreo.
Las creaciones en forma de nubes fueron un éxito.
“Teníamos algunas de estas nubes en las prendas de punto (hechas de) un hilo hecho de botellas de plástico recicladas, lo cual es increíble”, dijo McCartney detrás del escenario.
Los motivos de aves tomaron vuelo, literal y figuradamente. Las palomas pintadas sobre seda y los detalles inspirados en el origami fueron un regalo visual, que recuerda el mensaje de varios años de McCartney de recordar proteger la naturaleza.
El show de McCartney comenzó con Helen Mirren entregando un manifiesto 'Save What You Love', más un golpe directo que una suave súplica. Inspirándose en 'El fin del fin de la Tierra' de Jonathan Franzen, la voz de Mirren sonó, instando a actuar antes de que sea demasiado tarde. Los pájaros, que están desapareciendo, fueron el símbolo, un recordatorio de lo que está en juego si no actuamos juntos.
También se entregó a cada uno de los invitados un periódico elaborado para el programa llamado con humor “Stella Times” que detallaba un mensaje irónico, pero serio, sobre la sostenibilidad. El consejo de McCartney a los lectores para estimular la acción positiva: “¡Lean! Porque creo que la gente ya no lee”. Y “consiga una copia de nuestro periódico. Te daré toda la información que necesitas saber. Sea más consciente, sea más curioso y descubra los hechos de la moda para ser más el futuro de la moda”.
McCartney lleva mucho tiempo a la vanguardia en lo que respecta a la moda ecológica. Fue una de las primeras diseñadoras en defender la sostenibilidad, mucho antes de que estuviera en el radar de nadie. Dado que la moda es uno de los mayores contaminadores del mundo, su 91% de materiales conscientes y su producción libre de animales fueron otra señal de que la diseñadora se está tomando el mensaje en serio.
Una casa con estructura de madera gigante (solo vigas en bruto expuestas) preparó el escenario para Sacai. No fue sólo un lugar sorprendente, sino que sirvió como metáfora del espíritu de Chitose Abe: deconstrucción y reconstrucción de la forma más inesperada. Al igual que la ropa de Abe, las vigas expuestas representaban una forma y estructura inacabada, pero poderosamente arquitectónica.
Un vestido de camiseta urbano se combinó con una chaqueta de cuero negra que lucía un brazo de pierna de cordero con volantes, un detalle más a menudo reservado para vestidos históricos. Era la encarnación de las dualidades de Abe: el motociclista urbano se encuentra con el drama histórico, lo masculino se funde con lo abiertamente femenino.
A lo largo de la colección, la inteligente fusión de partes aparentemente incongruentes estuvo al frente y al centro. Una impecable camisa blanca se fusionaba con una falda oscura plisada, justo debajo del busto. Era toda una prenda, y esta combinación ejemplificaba el enfoque inventivo de Abe en la confección de patrones. Su concepto de hibridación (combinar prendas para que parezcan una cosa por delante y otra por detrás) es más que un truco. Es la forma innovadora que tiene Abe de desafiar la estructura misma de lo que puede ser la moda.
Otro look fue simple a primera vista: una sudadera con capucha blanca. Pero al más puro estilo Sacai, la espalda presentaba una falda flexible que llegaba hasta el suelo, transformando lo que podría haber sido mundano en algo extraordinario.
El volumen y las siluetas también abundaban, con formas aplanadas y cuadradas ocupando un lugar central.
Las piezas modestas, como la falda larga negra fusionada con una camisa blanca, fueron emblemáticas de su reciente exploración en monocromo y de trasladar sus prendas diseccionadas a un territorio elevado.
Isabel Marant combinó la artesanía sudamericana con la energía cruda de una guerrera amazónica, y su estética artesanal se exhibió en toda su plenitud en una poderosa celebración de la feminidad.
Marant nunca ha tenido miedo de explorar nuevos territorios, y esta temporada se aventuró en las influencias del punk tribal de principios de los años 1980, combinándolas a la perfección con su arte amoroso.
La pasarela ardía con los tonos del atardecer: óxido, malva, rosa y morado ondulaban en faldas con borlas y vestidos con nudos, evocando la calidez del atardecer latino.
Pesados brazaletes de oro adornaban las muñecas de las modelos mientras caminaban con vestidos de seda trenzados y bordados. Las desgastadas cazadoras de mezclilla gris oscuro y los pantalones cortos de cuero negro con tachuelas insinuaban una vena rebelde.
Esta temporada marcó otro capítulo en la evolución de Marant a medida que se inclinaba aún más hacia la artesanía: cuero bordado, ante cosido en forma de manta y nudos intrincados que parecían profundamente personales.
