NUEVA YORK — Cuando piensas en éxitos de taquilla, lo primero que te viene a la mente puede no ser una proyección épica de posguerra de 215 minutos por primera vez en el Lincoln Center.
Pero esa fue la escena la semana pasada cuando el Festival de Cine de Nueva York presentó una impresión de 70 mm de “El brutalista” de Brady Corbet. El festival aún no había comenzado oficialmente (su 62ª edición comienza el viernes), pero la proyección de prensa previa generó largas colas (como notaron algunos asistentes, no muy diferentes a las de Ellis Island en la película) y un Teatro Walter Reade abarrotado.
Se había corrido la voz: “El brutalista” es algo digno de ver. La epopeya de Corbet, protagonizada por Adrian Brody como un arquitecto judío que rehace su vida en Pensilvania, es el tipo de construcción cinematográfica colosal que no aparece todos los días. Filmada en VistaVision y estructurada como movimientos de una sinfonía (con un intermedio de 15 minutos para empezar), “The Brutalist” es realmente algo digno de contemplar. Es obra de arte y éxito de taquilla al mismo tiempo y, tal vez, un recordatorio de la capacidad de las películas para una grandeza intransigente y el asombro que pueden inspirar.
En los últimos años ha estado de moda preguntarse sobre el destino de las películas, pero puede ser difícil aplacar esas preocupaciones en el Festival de Cine de Nueva York. El festival se premia por reunir el mejor cine de todo el mundo. Y este año, las películas están llenas de audaces incursiones de forma y perspectiva que se pueden sentir impulsando el cine hacia adelante.
Este es también el momento en que las campañas de los Oscar comienzan a ponerse en marcha, con Q&As y cócteles. Pero, a diferencia del año pasado, cuando “Oppenheimer” y “Barbie” se afianzaban como favoritasse dice que la carrera por la mejor película está abierta. En ese vacío, películas como “The Brutalist” y el estreno del NYFF, “Nickel Boys” de RaMell Ross, sin mencionar “Anora” de Sean Baker y “Emilia Perez”, de Jacques Audiard, están preparadas para poner a prueba los límites del cine artístico. Este año, esas películas podrían ser los éxitos de taquilla a batir.
“Nickel Boys”, la selección de la noche de apertura, es el debut cinematográfico de ficción de Ross, pero también transmite la mirada exquisita que aportó a su documental nominado al Oscar de 2018 “Hale County This Morning, This Evening”. Ross filma la adaptación de la novela de Colson Whitehead desde los puntos de vista subjetivos de dos niños, Ellwood (Ethan Herisse) y Turner (Brandon Wilson), que se encuentran entre los estudiantes negros abusados en Nickel Academy, un reformatorio de Florida. En una película salpicada de brutalidad y ternura, el enfoque en primera persona le da a “Nickelboys” un sentido radical de empatía.
El festival incluye varias secciones y barras laterales, pero su programa principal sigue siendo su núcleo. Este año, son 32 películas de 24 países, incluida “La semilla del higo sagrado”, de El director iraní exiliado Mohammad Rasoul; “Atrapados por las mareas”, del cineasta chino Jia Zhangke; y el documental “Dahomey” del director francés Mati Diop.
Uno de los más destacados es el devastador y desesperado segundo largometraje de la directora georgiana Dea Kulumbegashvili, “April”. Como en “Nickelboys”, también juega con la perspectiva. Una obstetra, Nina (Ia Sukhitashvili), es culpada de la muerte de un recién nacido, pero la investigación posterior tiene más que ver con los abortos ilegales que practica en un pequeño pueblo georgiano bajo las montañas del Cáucaso.
La continuación de Kulumbegashvili a su debut, “Beginning”, es a la vez vigorizantemente real (filmó un nacimiento vivo para la película) y misteriosamente surrealista. De vez en cuando vemos desde la perspectiva de Nina, otras veces flotamos fuera de ella; A veces “April” parece visualizar algo dentro de ella. El efecto es escalofriante, como si el cuerpo de Nina fuera un objetivo en movimiento.
Al igual que Ross, la cineasta india Payal Kapadia trabajó en documentales antes de dedicarse a la ficción con su luminosa “All We Imagine as Light”. A pesar de haber sido premiada en Cannes, la película fue sorprendentemente ignorada en la candidatura de la India al Oscar. Pero eso no debería restarle valor. del notable logro de Kapadia.
En él, tres mujeres (Kani Kusruti, Divya Prabha, Chhaya Kadam) hacen malabarismos con los sueños y la realidad en la Mumbai moderna mientras trabajan en un hospital. A mitad de camino, la película pasa de una ciudad a un país, lo que les permite tener una nueva perspectiva de Mumbai y las estructuras de clases que gobiernan sus vidas privadas. “All We Imagine as Light” comienza con el realismo descarnado de un documental pero se funde encantadoramente en una fábula.
Al igual que “All We Imagine as Light”, otra entrada principal del programa, “Eephus” de Carson Lund, llega a su conclusión al atardecer con la desaparición de la luz. En la encantadora e irónica película de Lund, un grupo de chicos de mediana edad de un pequeño pueblo se reúnen para un partido de béisbol en un campo que pronto se convertirá en otra cosa, con la menor cantidad de fanáticos y las rodillas más crujientes, juegan un último juego. Hay risas y narraciones, pero también se deslizan como si lo dijeran en serio.
Hay una cualidad existencialista en “Eephus” que podría convertirla en una buena parábola para muchas cosas, incluso para las películas. Pero es un hermoso recordatorio de que, quienquiera que esté mirando, juegas por amor al juego.
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Esta historia se ha actualizado para corregir el nombre del cineasta Brady Corbet.
