Los informes sobre la desaparición de la obra tradicional en Broadway son muy exagerados, al menos según la evidencia de la temporada teatral de otoño, que ha estado cargada de dramas de alto perfil.
La abrasadora producción de Sam Mendes de “Las colinas de California” de Jez Butterworth en el Broadhurst Theatre, sin duda la mejor obra que vi en una ola de presentaciones a finales de septiembre, se ha convertido en el boleto esencial para los espectadores más exigentes del teatro de Nueva York este otoño. “McNeal” de Ayad Akhtar protagonizada por Robert Downey Jr. en su debut en Broadway en el Vivian Beaumont del Lincoln Center Theatre, no estuvo a la altura de las expectativas. Pero, ¿quién podría dejar pasar la oportunidad de escuchar a uno de nuestros dramaturgos más brillantes sobre un tema que ya ha comenzado a desafiar nuestro sentido de la realidad: la IA?
Tenía previsto ver “The Roommate” de Jen Silverman, protagonizada por la extraña pareja más atractiva de Broadway, Patti LuPone y Mia Farrow, pero una enfermedad en el reparto echó a perder mis planes. Aún así, logré incluir, en un itinerario de cuatro días, “Yellow Face” de David Henry Hwang (protagonizada por Daniel Dae Kim) en el Teatro Todd Haimes de la Roundabout Theatre Company, “Job” de Max Wolf Friedlich en el Teatro Hayes, y en mi una presentación fuera de Broadway, “Good Bones” de James Ijames en el Public Theatre. (También vi la alegre reposición de Broadway de “Once Upon a Mattress”, sobre la cual tendré más que decir cuando la producción, protagonizada por Sutton Foster, se estrene en el Ahmanson Theatre en diciembre).
Daniel Dae Kim en la obra “Yellow Face”.
(Juana Marcos)
Fue un placer reencontrarme con “Yellow Face”, que tuvo su estreno mundial en el Mark Taper Forum en 2007. Leigh Silverman, quien dirigió esa producción, regresó para dirigir el estreno de la obra en Broadway, que se extenderá hasta el 24 de noviembre. Esta ingeniosa comedia, una obra autorreferencial en la que Hwang se remonta a una controversia teatral en la que se vio envuelto después de hablar en contra de la elección de Jonathan Pryce como un personaje euroasiático en el estreno de Broadway en 1991 de “Miss Saigon”. El revuelo que siguió fue más de lo que el dramaturgo ganador del Tony había esperado. Pero decidió abordar algunas de las cuestiones sobre la identidad racial que surgieron del alboroto del casting en su obra “Face Value”, un fracaso espectacular que cerró sus preestrenos en Broadway en 1993.
En “Yellow Face”, Hwang reúne estos eventos relacionados en una comedia que introduce un recurso ficticio a lo que de otro modo sería un relato sencillo. DHH, el sustituto del dramaturgo, ahora es interpretado por Kim, una estrella magnética de la pantalla (“Lost”, “Hawaii Five-0”) con un atractivo sexual de Hollywood de sobra. Cualquier escritor se sentiría halagado de ser interpretado por Kim, pero el reparto es deliciosamente irónico en una obra que recuerda una época en la que los productores se daban por vencidos cuando se les pedía que encontraran un protagonista asiático-estadounidense para presentar una película o un espectáculo de Broadway.
La producción de Silverman, en otros aspectos, no parece tan cómoda en un gran escenario de Broadway. Algunas actuaciones cómicas parecen caricaturescas, pero la escritura es tan inteligente, fluida y libre que apenas importa. Y las escenas entre DHH de Kim y Marcus de Ryan Eggold, la figura puramente inventada de la obra, se deleitan con las hilarantes hipocresías que Hwang envía traviesamente.
La presunción de la obra es que DHH accidentalmente eligió a un actor no asiático como protagonista de “Face Value”, y Marcus, agradecido por este impulso a su carrera como actor, asume un papel de defensa comunitaria que solo empeora la situación. más ridículamente peligroso. DHH tiene miedo de perder la cara por su papel en convertir a Marcus en una estrella asiático-americana. Se le ocurrió la brillante idea de afirmar que el actor era de ascendencia judía siberiana cuando conoció la verdad de su identidad. Como portavoz accidental de un casting con conciencia política, preferiría no caer en su propio petardo.
La autoironía de Hwang es parte de la maravilla cómica de “Yellow Face”. Pero lo que resulta especialmente refrescante de la obra es la forma en que aborda cuestiones profundamente serias de política de identidad con un toque ligero. Hwang es un dramaturgo demasiado ágil para ser doctrinario. Reconoce lo que debe corregirse, pero se niega a perder el sentido del humor en la lucha o a eximirse de la comedia humana que puede ser el único empleador confiable que ofrece igualdad de oportunidades.
Peter Friedman y Sydney Lemmon en “Job” en el Teatro Helen Hayes de Broadway.
(Emilio Madrid)
“Job”, de la que se habló mucho el pasado otoño fuera de Broadway en el Soho Playhouse, se trasladó al Teatro Helen Hayes de Broadway este verano y podría ser el estreno de la temporada. La obra, una obra de dos personajes (que finalizará el 27 de octubre), está protagonizada por el veterano Peter Friedman y la recién llegada a Broadway Sydney Lemmon, graduada de la Escuela de Drama de Yale y nieta de Jack Lemmon.
¿Por qué la obra de Friedlich se ha vuelto tan popular entre los espectadores de Nueva York? La situación de una joven que se presenta en la consulta de un psicoterapeuta con una pistola crea una situación dramática autónoma que el público parece disfrutar. Lemmon interpreta a Jane, una moderadora de contenido en una empresa de tecnología, que sufrió una crisis nerviosa en la oficina después de haber sido expuesta a los videos más horribles y ahora necesita un psicólogo para aprobar su regreso al trabajo. Friedman asume el papel de Loyd, un psiquiatra de San Francisco que, en un período de tiempo inferior a dos sesiones, debe de alguna manera disuadir a Jane de apretar el gatillo.
Las artimañas de la situación son ineludibles, a pesar de la escrupulosa honestidad de los actores de la cargada producción del director Michael Herwitz. (Como terapeuta hippie anciano educado en Berkeley, Friedman es especialmente bueno brindando empatía profesional para salvar su propia vida). La obra contiene un giro que ni los caballos salvajes podrían arrancarme, pero qué tan convencido estés depende de tu voluntad de sucumbir a una trama que ha sido cuidadosamente programada para aumentar la tensión dramática. Me mantuve en una distancia escéptica, pero aprecié la absorción de mis compañeros de audiencia, quienes estaban más que felices de suspender la incredulidad y subirse a un emocionante viaje dramático de 80 minutos.
Khris Davis, de izquierda a derecha, Susan Kelechi Watson y Tea Guarino en el estreno en Nueva York de “Good Bones”, escrita por James Ijames y dirigida por Saheem Ali.
(Juana Marcos)
La última obra de mi itinerario fue “Good Bones”, de Ijames, un dramaturgo que tenía muchas ganas de conocer mejor desde entonces. “Jamón gordo” su riff brillantemente hilarante y ganador del Premio Pulitzer en “Hamlet”. “Matar, mover el paraíso” una obra anterior de Ijames que aún se exhibe en el Odyssey Theatre, construye un ritual de justicia racial de emergencia para enfrentar la epidemia de tiroteos policiales fatales contra personas negras desarmadas. “Good Bones”, una obra sobre un matrimonio formado por Travis (Mamoudou Athie) y Aisha (Susan Kelechi Watson), que están renovando una casa en la ciudad donde creció Aisha, tiene una forma mucho más convencional.
Aisha, que creció en la pobreza, tiene una relación de amor y odio con su ciudad natal. Trabaja para una empresa que está construyendo un complejo deportivo que va a derribar los mismos proyectos que ella solía llamar hogar. Su marido, un chef de origen más acomodado, está abriendo un exclusivo restaurante de comida soul en el centro de la ciudad. Los dos encarnan el espíritu de gentrificación, pero tienen tantas diferencias entre ellos como con Earl (Khris Davis), un meticuloso contratista que aún vive en los proyectos que Aisha quiere desmantelar.
Ijames crea un drama de debate en el que los personajes aportan sus historias de vida únicas al conflicto. La hermana de Earl, Carmen (Téa Guarino), estudiante de finanzas en la Universidad de Pensilvania, introduce un punto de vista generacional diferente cuando se une a su hermano para terminar el trabajo de renovación.
La producción, dirigida por el colaborador frecuente de Ijames, Saheem Ali, se desarrolla en la espaciosa cocina moderna que Earl está restaurando minuciosamente para restaurar esta histórica casa a su antiguo brillo. El diseño escénico (Maruti Evans) y el vestuario (Oana Botez) maximizan el atractivo televisivo de la producción. Quizás esta sea la razón por la que “Good Bones” a veces aparece como piloto de televisión. La obra tiene preocupaciones sociales urgentes que se sienten muy bien en un teatro como el Public, donde se exhibirá hasta el 27 de octubre, pero las resoluciones superficiales y un exceso de decoración evitan que los conflictos se vuelvan incómodamente reales.
“Fat Ham”, “Kill Move Paradise” y “Good Bones” están escritas en estilos tan diferentes que podrían ser obras de tres autores distintos. Excepto que cada obra se ocupa urgentemente del elemento vital de la comunidad. Para Ijames, eso incluye no sólo quién está en el escenario sino también quién está entre el público. Ampliar el círculo de espectadores no es una ocurrencia tardía, sino un imperativo para un dramaturgo que reconoce que el drama, en su forma más floreciente, sirve como punto de encuentro social.
Mi asistencia al teatro en Nueva York me hizo comprender este dinamismo, lo que confirmó que una teoría de la física es válida para el teatro. Cuando los espectadores entran en un mundo ficticio, su sola presencia cambia lo que observan. La prueba de este concepto está en todas partes en una ajetreada temporada de otoño en Nueva York que está fomentando conexiones más profundas entre los dramaturgos y su atento público.
