Como sus fans están felices de recordarle, han pasado cinco años y medio desde el lanzamiento del último álbum de Solange. Pero incluso el más impaciente de sus admiradores tendría que admitir que esta astuta y reflexiva cantante de R&B, cuyo “When I Get Home” de 2019 hizo innumerables listas de críticos y generó un cortometraje ambientado en su ciudad natal de Houston, se ha mantenido ocupada durante la última media década.
Bajo los auspicios del colectivo Saint Heron que fundó en 2013, Solange, de 38 años, ha montado piezas de arte performance en museos y galerías de todo el mundo; compuso una partitura para el New York City Ballet; e incluso diseñó una línea de cristalería destinada, en sus palabras, a revelar “la sensibilidad de los objetos domésticos a través del paisaje de la domesticidad negra”. Este año, Apple Music incluyó el LP de 2016 de Solange, “Un asiento en la mesa”, en su lista de los 100 mejores álbumes de todos los tiempos.
Su último proyecto es Eldorado Ballroom, una serie de tres noches de actuaciones musicales de gran variedad que se inaugurará el jueves en el Walt Disney Concert Hall. El nombre de un histórico salón de música negro en el vecindario Third Ward de Houston, donde Solange creció con su hermana mayor, la superestrella del pop. Beyoncé — la serie sigue a una entrega anterior celebrada el año pasado en la Academia de Música de Brooklyn de Nueva York; entre los artistas en el cartel de Los Ángeles se encuentran Patrice Rushen, Bilal, Moses Sumney, Dominique Johnson, J*Davey y el coro de Gospel Music Workshop of America's Women of Worship.
Solange llamó desde su casa en el área de Nueva York una mañana reciente después de asistir a una exposición de Alvin Ailey en el Museo Whitney.
Me parece alguien para quien el sentido de pertenencia es crucial para su trabajo.
He llevado una vida bastante nómada. Comencé a hacer giras cuando tenía 13 años, bailando para Destiny's Child y he vivido en seis ciudades diferentes de Estados Unidos. Gran parte del trabajo que he estado haciendo últimamente se ha basado en la creación de artefactos tangibles porque me muevo mucho. No importa dónde esté, hay una familiaridad que proviene de estas cosas.
Estaba hablando con un DJ de París que me encanta, llamado Crystallmess, sobre lo emocionante que es ver la música regional hacer una especie de regreso. En muchos géneros, pero específicamente en el hip-hop, el R&B, el Drill, el club, el house y la música electrónica, estás empezando a ver todos estos sonidos muy regionales surgiendo de estas subculturas regionales muy específicas. Me encanta porque siento que llevo conmigo un sentimiento de Houston y el Sur en todas mis prácticas.
Gran parte de la cultura popular se basa en la glorificación de la estrella. Con Saint Heron, parece interesado en desmantelar eso hasta cierto punto.
Saint Heron realmente se construye a través del espíritu de colaboración y puedo hacer y crear cosas que nunca podría hacer por mi cuenta. La gente pregunta todo el tiempo: ¿Es una institución? ¿Es una agencia? ¿Es un archivo? Realmente me concentro en llamarlo una evolución viva y respirable porque comenzó como un blog de música.
Cuando lancé el EP “True” (en 2012), me sentí muy solo en ese momento, siendo un artista negro en el espacio de la música independiente. Sabía que había muchos otros artistas negros que estaban reinventando la rueda del R&B e innovando dentro del género, y realmente se trataba de tener un espacio colectivo y encontrar fuerza en los números. Pensé mucho en los Soulquarians y los Super Friends y en esta idea de que un colectivo podría tener una voz mucho más fuerte si nos celebráramos unos a otros y también nos apropiáramos de nuestras historias.
¿En qué ha evolucionado?
Hace unos cinco años, estaba como paralizado. Sentí que logramos muchas de las cosas que queríamos lograr y comencé a pensar mucho en el archivo que sentí que era importante mantener y proteger. Me imaginé a mis futuros nietos, en medio de este renacimiento negro del arte, la música y la cultura, todavía teniendo que ir a instituciones blancas para ver y experimentar el archivo. En realidad, fue un momento muy, muy crucial.
Fui a Detroit, al museo de tecno (Exposición 3000): es un espacio realmente pequeño e íntimo, y el archivo fue muy intencional y reflexivo. Me dio alas para decir que incluso a este nivel micro, esto realmente importa. Cuando piensas en Jeff Mills y Juan Atkins y el impacto global de lo que han creado, no importa el tamaño o la escala del espacio. Esos objetos pudieron tener una permanencia y contar una historia que nadie más podría.
Fui a Chicago en el mismo viaje, visité el Stony Island Arts Bank de Theaster Gates y pude experimentar su archivo de Johnson Publishing y su trabajo en cerámica. Una vez más, recibí el mensaje de que la próxima evolución de Saint Heron es construir un archivo de historias, películas, performances, objetos (momentos que viven y respiran en el tiempo) y crear un lugar seguro para ellos, de modo que haya un espacio donde las personas en 20 o 30 años pueden retroceder a esta canción de Sampha en un recopilatorio o a esta entrevista que le hicimos a Barkley Hendricks sobre su música favorita o a vivir las fotografías de Barbara Chase-Riboud durante su estancia en Egipto.
Compartes este instinto de archivo con tu hermana, quien anota meticulosamente todo lo que hace.
No estoy seguro de si es lo mismo para mi hermana, pero para mí es en realidad una historia muy común en las familias negras, ya que recuerdo haber crecido teniendo quizás una foto desde que nací hasta quizás los 4 años. Nuestra familia estaba entre mudanzas. Y algo pasó con nuestro almacenamiento y las cosas se perdieron. Entonces, todas las fotografías de mi infancia provienen de tías, tíos o amigos de la familia. Definitivamente hay una ciencia detrás de la creación de recuerdos: poder volver al olor o al sonido de una habitación al tener acceso a una imagen. Y yo no tenía eso. Así que hay muchas piezas de rompecabezas de mi infancia basadas en historias y recuerdos, pero no necesariamente en un archivo tangible.
La otra parte es que a menudo pienso en quién sería o quién sería. no De haberlo hecho, no tuve acceso a imágenes e historias de las mujeres negras que me ayudaron a definirme y me dieron el coraje para ser yo misma sin pedir disculpas. Pienso en si solo conociera la música de Nina Simone pero nunca vi ninguna de sus entrevistas ni fotografías de ella. Pienso en ver el arte de Senga Nengudi pero no poder ver películas de su baile o escuchar sobre su tiempo en Los Ángeles y su paso por debajo del puente. Pienso en estos momentos de totalidad y en mi negritud y mi feminidad, y gran parte de eso se debe a los planos que he podido experimentar a través de la preservación de las historias de estas mujeres.
Honestamente, todo lo que he hecho en los últimos cinco a siete años, estoy pensando en el año 2050 y en lo que todo esto significará entonces.
En Los Ángeles estás estrenando “Not Necessarily in Arms Reach”, una pieza que escribiste para dos tubas. ¿Por qué la tuba?
Mis primeros recuerdos de la tuba fueron cuando crecí escuchando la banda de música de la Universidad del Sur de Texas. El padre de mi hijo jugaba al fútbol y éramos novios en la escuela secundaria, por lo que yo asistía constantemente a sus partidos tanto en la escuela secundaria como en su época en Texas Southern. Y para ser honesto, estaba literalmente desconectado, esperando que la banda volviera a salir, como, OK, ¿cuándo es el entretiempo? Sólo recuerdo los graves que sentiría, porque lo que pasa con las bandas de música del sur es que tienen secciones de tuba que tienen partes solistas, y hay una energía que aportan al instrumento. Hay una manera en que se mueven con eso. Quiero decir, los tubas son siempre los más atrevidos de la banda.
Realmente cobro vida con el bajo, y había una gravedad en la tuba que siempre me hacía sentir muy lleno. En mi rango vocal, realmente no he explorado el extremo inferior de mi voz. Generalmente escribo melódicamente desde un lugar más bien en falsete. Entonces, hay cosas que no puedo lograr con mi voz, y una vez que comencé a escribir música para tuba pude aprovechar las partes más guturales de mi cuerpo y expresar un matiz que no podía ni siquiera con el bajo sintetizado o el bajo eléctrico. o contrabajo. Durante “A Seat at the Table”, comencé a cambiar el bajo por la tuba.
Cuando escribo para tuba, canto todas las partes melódicas y las transcribo quizás tres o cuatro octavas hacia abajo. Así que puedo sentarme y vivir con eso por un tiempo y continuar expandiéndome, editando, armonizando y construyendo. También hay algo en la sinergia de dos intérpretes de tuba uno frente al otro: una especie de escultura natural que se produce con sus cuerpos y con el instrumento. Parece un monumento. Será realmente interesante ver cómo existe eso en un espacio como Disney Hall que ya es un monumento.
Solange actúa en el Carnaval de Camp Flog Gnaw en Los Ángeles en 2019.
(Allen J. Schaben/Los Angeles Times)
Ha programado la interpretación de una pieza orquestal de Patrice Rushen, cuya carrera ha oscilado entre la música pop y la música clásica. ¿Su camino resuena contigo?
Dios mío, cien por cien. Recuerdo que en “A Seat at the Table” estaba trabajando con el sobrino de Raphael Saadiq, que es un pianista que fue a Berklee. Su nombre es Dylan (Wiggins) y Patrice Rushen fue su maestro. Eso me dejó completamente alucinado. He sido un gran admirador de su música durante mucho tiempo, y no sólo de su música sino de su estilo, su academia, su gracia. Quiero decir, todo eso – el cabello.
Cuando descubrí “Sinfonia” (de Rushen), la escuché religiosamente y realmente me dio alas antes de comenzar a escribir mi pieza para el New York City Ballet saber que este era un espacio que había estado ocupado antes. Lo que me encanta de ella es que sigue actuando. sus canciones pop. Ella abraza la dualidad de todos estos lados de ella.
¿Por qué emparejaste a Bilal con el trío de Cooper-Moore, William Parker y Michael Wimberly?
Sabía que quería incorporar a Cooper-Moore al programa: sus instrumentos hechos a mano y el tipo de telescopios sónicos que ha estado creando. Y supe que quería un vocalista. Pasé bastante tiempo pensando: ¿quién podría estar con esos tipos? Había estado anotando nombres y un día pensé: “Es Bilal”. Tuve la experiencia de verlo usar realmente su voz como instrumento cuando trabajábamos en una canción”.Viaje Cósmico”, en mi segundo álbum. Hacía todo tipo de sonidos con su voz: sonidos de trompeta, sonidos de piano, sonidos de bajo. Y es un artista de improvisación. Esa noche en el estudio, lo vi improvisar una melodía de 30 maneras diferentes en una hora.
Recientemente volviste a publicar algo en Instagram donde alguien señaló que tenemos nueva música de mozart antes de que tuviéramos un nuevo álbum de Solange. ¿Qué opinas de la creciente demanda de tu próximo disco?
De hecho, me morí de risa. Mi base de fans me hace reír muchísimo. Pero la gente olvida que me llevó cinco años hacer “A Seat at the Table”. Siento que tienes que vivir si quieres escribir desde un lugar potente. Y sólo escribo cuando tengo algo que decir. Sólo escribo cuando siento que si no Cuando escribo, retrocedo o retrocedo en mi propio viaje de curación personal. Entonces, tanto con “A Seat at the Table” como con “When I Get Home”, tenía algo que decir. Había una urgencia en que necesitaba escribir esas canciones o esas historias se convertirían en un veneno en mi cuerpo.
André 3000 frustró a algunos fanáticos del hip-hop el año pasado cuando lanzó un álbum de jazz experimental en lugar de un disco de rap. ¿Podrías identificarte con dónde se encuentra él como artista?
Definitivamente. Sé lo que se siente tener una extrema necesidad de expresar una parte de ti mismo y ser lo suficientemente valiente como para silenciar todo el ruido y las expectativas que te rodean y dar un paso hacia eso. Realmente es un acto de fe y, para muchos de nosotros, un acto de supervivencia. Lo respeté diez veces.
